The Horn

Contact Me

Receive Email Updates

May 2009 - Posts

Is Classical Music Elitist? Don't Believe It !

  According  to  some  people,  classical music  is  "elitist".  But  is  it  really ?  The  term  elitist  has  been  used  so  loosely  and  indiscriminately  that   it's  become  virtually meaningless;  just  a  nasty-sounding  label.

  And  when  applied  to  classical  music,  it  implies  that  our symphony  orchestras ,  opera  companies  and  other  groups  are  trying  to  exclude  people,  especially  non-whites  and  those  who  aren't  wealthy.  But  nothing  could  be  farther  from  the  truth.  These  organizations  are  not  trying  to  exclude  any  one.  In fact,  they  are  extremely  eager  to  find  new  audiences,  of  whatever  age  or  ethnicity. 

  Our  orchestras  and  opera  companies  have  outreach  programs  to  try  to  reach  more  people  and  expand  their  audiences, and  people  on  staff  whose  job  it  is  to  do  this.  With  all  the  reports  of  the  "graying"  of  classical  music  audiences,  they  realize  that  it's  vital  to try  to  attract  younger  people,  but  people  of any  age  are  welcome.

  But  the  stereotypical  image  still  exists  in  many  people's  minds  of  rich,  bored  people  in  the  boxes  of  opera  houses,  there  just  to  see  and  be  seen  and  show  off  their  finery  and  jewels,  while  fat  singers  in  Viking  constumes  shout  at  each  other.  This  isn't  what  classical  music  like  at  all.

  And  the  audience  for  opera  in  America  has  grown  exponentially  in recent  years;   there  are  now  opera  companies  in  all  50 states. It  used  to  be  that  the  only  real  opera  companies  in  America  were  the  august  Metropolitan  Opera  in  New  York,  which  opened in  1883,  and  the  San  Francisco  and  Chicago  operas,  plus  the less glamorous  but  plucky  New York  City  Opera.

  But  now,  there  are  major  opera  companies  in  Dallas,  Houston,  Seattle,  Los  Angeles,  Washington,  Pittsburgh, San Diego,  and many  other  major  US  cities .  Do  you  think  this  would be  the  case if  opera  were "elitist"? 

  There  are  hundreds  of  professional  orchestras  in  America  also,  the  top  ones  being in  New  York,  Chicago,  Boston,  Philadelphia,  Cleveland,  Los  Angeles,  San  Francisco,  Pittsburgh,  Detroit,  Seattle,  Cincinnati, Washington,Baltimore, St.Louis, Houston, Dallas,  etc. All of  these  organizations  desperately  want  more  and  more  people  to  come  to  their  concerts,  no  matter  who  they  are.

  And  if  opera  tickets  to  the  Met  are  expensive,  and  they  range  from  about  $250 -25,  it  isn't  because  of  elitism,  but  because  of the  enormous  expenses  required  to  run  a  world-class  opera  company. Not  the  just  the  high  fees  for  famous  opera  singers,  but  the  costs of  maintaining  and  great  orchestra  and  chorus,  and  paying  the  army  of  people  required  to  put  on  great  operra:  coaching  staff,  conductors,  stage hands.,  people  who  work  on  constumes,  constructing  scenery,  and  so  many  other  jobs.

  Some  one  has  to  foot  the  bill,  and  ticket  sales  don't  cover  all  the  expenses.  Private  philanthropy  covers  some  of  the  expenses,  but  not  nearly  enough  to  keep  our  orchestras  and  opera  companies  from  serious  financial  difficulties  and  the  risk  of  going  under.  But  European  governments  provide  generous  subsidies  for  orchestras and  opera  companies,  a  luxury  we  don't  have in  America.

  But  classical  music  is  not  just  a  frivolous  entertainment for  the  wealthy.  It's  a  magnifient  art  form  which  enriches  the  lives  of  people  all  over  the  world,  not  only  in  Euriope  and  America, and  has  done  so  for  centuries.  So  please  don't  call it  "elitist."

Posted: May 31 2009, 08:24 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Erich Wolfgang Korngold - Not Just A Hollywood Film Composer

 If  you've  ever  seen  certain  classic  Hollywood  films,  such  as  The Sea  Hawk,  The  Advendutes  Of  Robin  Hood,  Captain  Blood,  The  Private  Lives  Of  Elizabeth And  Essex,  The  Sea  Wolf,  the  colorful  music  for these  films  no  doubt  added  to  your  enjoyment  of  them.  And  the composer  was  the once  famous  Erich  Wolfgang  Korngold,  an  Austrian  Jew  born  in  what  is  now  the  Czech republic, who  was  boen  on  this  date,  May  29   in  1897, and  lived until  1957. 

   He  was  a  child  prodigy ,  and  famous composers  such  as  Gustav  Mahler  and  Richard  Strauss  were  amazed  by  his  comosing  talent  starting  from  when he  was  only  ten  years  old.  He  was  also  a  virtuoso  pianist,  and  later  became  active  as  a  conductor.

  He  was  the  son  of  the  distinguished  music  critic  Julius  Korngold,  who  wrote  for  the  New  Free  Press  in  Vienna,  the  leading  newspaper  in  that  legendary  musical  city . His  rise  as  a  composer  was  meteoric;  his  opera  Die  Tote  Stadt(The  Dead  City)  was  a  smash  hit  at  top  European  opera  houses  when  he  was  only  23  years  old. 

  Korngold  wrote  other  once  popular  operas  such  as  Violanta  and  Das  Wunder  Der  Heliane  (The  Miracle  of  Heliane),  which  went  out  of  favor  when  Hitler and  the  Nazis  came  to  power  in  the  30s  because  the  composer  was  Jewish,  and  much  music  for  solo  piano,  chamber  music,  concertos  and  orchestral  music.

  But  Korngold  had  settled  in  Hollywood  to  write  film  scores  just  before  Germany  annexed  Austria  in  1938,  and  had  to  remain  there  and  become  a  US  citizen.  He  won  an  academy  award  for  best  film  score  for  the  classic  film  The  Advenutes  of  Robin  Hood  with  Erroll  Flynn.

  But  because  of  his  success  in  Hollywood,  it  seemed  that  no  one  would  take  him  seriously  as  a  classical  composer  any  more.  His  lush,  colorful  late  romantic  music  was  considered  passe  by  modernists.  And  Arnold  Schoenberg,  his  great countryman  and  founder of  atonal  composition , also lived  in  Los  Angeles.  Korngold  died  in  1957  at  the  age  of only  60,  considered  a  has  been  by  many.

  But  in  recent  years  interest  in  his  music  has  grown,  and  his  classic  film  scores  have  even  been  recorded  to  be  heard  on  their  own as  serious  music.  Several  of  his  operas  have  been  recorded  and  even  performed  live;  Die  Tote  Stadt  was  recently  performed  successfully  in  London,  and  his  orchestral  works  have  been  championed  by  leading  conductors  and  recorded.  There  are  two  Korngold  biographies,  by the  English  novelist  and  classical  music  fan  Jessica  Duchen, and  Korngold  scholar  Brendan  G  Carroll.

  But  some  critics  and  commentators  just  won't  take  Korngold  seriously;  one  made  the  famous(or  infamous)  quip  that  his  music  is"More  Korn  Than  Gold".  But  any  one  who  enjoys  lush,late  Romantic  music  should  find  his  music  highly  attractive.  Try  his  single  symphony,  the  violin  concerto,  which  has  been  recorded  by  Jascha  Heifetz  and  other  great violinists,  or  the  recordings  of  his  operas,  Die  Tote  Stadt,  Violanta,  and  Das  Wunder,  although  they  may  not  be  easy  to  find  at  the  moment.  Check  for  recordings ;  you  won't  be  disappointed. 

Posted: May 29 2009, 08:28 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
What Is Early Music, And Why Should You Listen To It?

  "Early  Music"  is  a  term  usually  applied to  music  before  the  time of  Bach,  Handel  and Vivaldi,  that  is  the  so-called  Baroque  period  of  music,  before  1700  or  so.  But  these  composers  are  sometimes  classified  as  early  music,  too.

  A surprisingly large  amount  of  music  from  nearly  a  thousand  years  ago  to  around  the  17th  century  has  surived  in  manuscript  form,  and  sometimes  published.  This  ancient  music  from  the  Medieval and  Renaissance  eras  is  quite  fascinating,  and  interest  in  it  has  grown  enormously  from  the  late  20th  century  to  the  present  day.

  It  has  been  the  task  of  musicologists to  study,  decipher  and  transcribe the  old  notation,  which  is  very  different  from  the  kind  in  use  today, and  to  edit  and  oversee  its  printing.  This  is  no  easy  task,  and  scholars  do  not  agree  on  how this  should  be  done.  In  addition,  many  musicians  in  our  time  have  specialized in  studying  and  performing  this  kind  of  ancient  music,  and  trying  to determine  how  it  should  be  performed,  and  ancient  instruments  such as  viols, early  string instruments,  and  wind  instruments  such as  cornettos  and  sackbutts(an  early  form  of  the  trombone)  have  been  revived.

  Early  music  ensembles  specializing  in  this  kind  of  music  exist  all  over  Europe,  America, Canada  and  even  Japan  and  elsewhere,  and  have  toured  everywhere  and  made numerous  recordings.  Many  bear  such  quaint  names  as  Hesperion XX ,  La  Chapelle  Royale,  Piffaro,  His  Majesty's  Sackbutts  and  Cornetts,  Anonymous  Four,  La  Capella  Real  Catalunya,  and  Chanticleer  etc.

  Thery  perform works  often  of  the a  capella  kind , by  such  once  famous  composers  as  Germany's  Heinrich  Schutz,  Italy's  Claudio  Monteversi,  and  composers  of  the  golden  age  of  polyphonic  religious  music  by  composers  of  what  is  now  Belgium,  the  Netherlands  and  Burgundy  in  France  such  as  Josquin DesPrez,  Guillaume  Dufay,  Jacob  Obrecht,  Johannes  Ockeghem,  Gilles Binchois,  and  other  names  you've  probably never  heard  of.

  Medieval  and  Renaissance  music  may  sound  strange  to you  at  first;  but  once  you  get  to  know  it  you  should  find  it  really  enjoyable.  Performers  and  musicologiusts  have  had  to  do  a  lot  of  guesswork  about  learning how  to  perform  this  ancient  music;  composers  left much  up  to  the  performer,  and  often  the  printed  music  does  not  even  indicate  what  kind  of  instruments  are  to  be  used,  or  whether  the  music  is to be  sung  or  performed  on instruments !

  As  well  as  the  great  16th  century  Italian  church  composer  Palestrina,  who  served as  choirmaster  to  several  Popes.  In  addition,  there is  a  rich  heritage  of  early  music  from  Spain. The  Catalan  musician  Jordi  Savall  is  one of  the  leading  specialists  in  early  Spanish  music,  but  he  performs  a  wide  variety  of  music  by  other  early  composers  of  other  countries.  In  Belgium,  the  versatile  conductor  Philippe  Herreweghe  erforms  everything  from  Renaissance  music  to  Baroque,  classical  and  Romantic  music.

  For  more  information  about  this important  area  of  classical  music,  try, which  offers  a  wealth  of information  on  the  subject,  and  check  for  recordings.   




Posted: May 28 2009, 08:33 AM by the horn | with 1 comment(s)
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Stravinsky's Revolutionary Ballet Score The Rite Of Spring and Its Chaotic World Premiere In Paris

  May  29th  1913  is  one  of  the  most  memorable  days  in  the  history  of  classical  music  and  ballet.  This  was  the  world  premiere  of  a  new  ballet  score by  the  rising  young  Russian  expatriate  composer  Igor  Stravinsky  (1882 -1971).  The  location  was  the  Theatre  de  Champs  Elysees  in  Paris,  and  the  ballet  company  was  the  legendary  Ballets  Russe  de  Monte  Carlo  under  the  equally  legendary  Russian  impresario  Sege  Diaghilev.

  The  gifted  young  Russian  composer  had  already  had  considerable  success  with  his  two  previous  ballets,  The  Firebird,  based  on  Russian  fairy  tales,  and  Petrushka,  a  whimsical  tale  of  puppets  which  come  to  life  at  a  fair  in  Russia.  But  Paris  and  the  world  were  about to  be   assaulted  by  savagely  dissonant  music  unlike  anything  the  musical  world  had  heard -  The  Rite  Of  Spring,  or  Le  Sacre  Du  Printemps  in  French.

   Stravisnky  had  conceived  of  a  ballet  about  the  pagan  rituals  of  the  ancient Slavic  tribes  who  eventually  became  known  as  the  Russians.  He  consulted  the  eminent  Russian  scholar Nicholas  Roerich ,  who  was  an  expert  on  ancient  Russian history,  and  who  designed the  costumes  for  the  Paris  premiere.  According  to  the  story  of  the  ballet,  the  tribes  come  together  to  celebrate  the  arrival  of  spring  after  the  brutal  Russian winter,  and  choose  a  young  girl  to  sacrifice  herself  to  the  god  of  spring  by  dancing  until  she  drops  dead  of  exhaustion. 

   The  brilliant  young  ballet  dancer  Vaslav  Nijinsky  was  chosen  to  choreograph  the  performance,  but  the  fiendishly  complex and  irregular  rhythms  caused  him  great  difficulties,  and  Stravisnky  was  not  satisfied. The  distinguished  French  conductor  Pierre  Monteux  was  engaged  to  conduct  the  very  large  orchestra  for  the  ballet,  and  had  to  work  very  long  and  hard  with  the musicians  in  order  for  them to  master  the  ballet's  formidable  rhythmic intricacies.

  This  is  the  copmposer's  description  of  the  idea  for  the  ballet:  " The  wise  elders  are  seated  in  a  circle  and  are  observing  the  dance  before  death  of  a  girl  whom they  are  offering  as  a  sacrifice  to  the  god  of  spring  in  order  to  gain his  benevolence".  The ballet is  divided into  two  parts  of  equal  length :  The  Adoration  Of  The  Earth,  and  The  Sacrifice.

   The  sections  are  First  part:  Introduction.  Augurs  of  spring.  Dances  of  the  young  girls.  Ritual  of  mock  abduction.  Spring  Round  dance.  Ritual of  the  two  rival  tribes.  Procession  of  the  wise  elder(Shaman). 

  Second  part:  Introduction.  Mystic  circles  of  the  young  girls.  Naming  and  blessing  of  the  chosen  one.  Evocation  of  the spirits  of  the  ancestors.  Ritual  actions  of  the  anccestors,  and  finally,  the  sacrificial  dance.

   At  the  first  performance,  the  audience  literally  went  wild !  There  were  boos,  catcalls and  utter  chaos. It  was a  near  riot.  But  what  great  publicity  for  the  young  composer.! The  music  opens  with  a  solo  bassoon  playing  in  its  highest  register  unaccompanied.  This  disturbed  some   composers,  who  thought  this  an  outrageous  abuse  of  the  instrument. 

  The  music  becomes  ever louder  gradually  and  there  are  brutal  stamping  rhythms  depicting  the  lumbering  dances.  There  a  wildly  asymetrical  rhythms   and  savage  dissonances,  and  there is  use  of  polytonality,  or  several  keys  at  the  same time  instead  of  the  traditional  one.  The  audience ,  which  was  accustomed  to  the  elegant  traditional  dancing  of 19th  century  ballet, was  shocked,  confused  and  outraged.

  But  the  conductor  Monteux  stayed  calm  throughout  the  chaos  rather  like  pilot  Sullenberger  at  the  recent  Jet  crash  in  New  York;  he  was  a  consummate  professional  and  remained  a  lifelong  friend  of the  composer.  He  was  a  real  pro !   Since  the  [premiere,  most  performances  of  the  Rite  of  Spring  have  been  in  the  concert  hall,  and  it  is  now  an  established  masterpiece  played  by  orchestras  everywhere, and  even  youth  orchestras  tackle  it  with  confidence.  But  it  was  fiendishly  difficult  to play  when  new.  A  very  large  orchestra  is  called  for  ,  with  unusual  instruments  such  as  the  small  and  shrill e  flat  clarinet,  a  bass  flute,  not one  but  two  contrabassoons,  8 horns  including  two  alternating  with  Wagner  tubas,  bass  trumpet,  and  a  large  percussion  section  icluding  an  instrument  called  the  Guiro,  a  kind  of  Mexican  gourd.  

  Audiences  at  concerts  found  the  work  shocking  at  first,  but  it  has  long  been  a  staple of  the  orchestral  repertoire.   There  have  been  numerous  recordings, including  at  least  two  by  the  composer  himself,  and   Monteux,  Leonard  Bernstein,  Pierre  Boulez,  Igor  Markevitch,  Leopold Stokowski,  Seiji  Ozawa,  and  many  other  eminent  conductors.   A  truncated  version  of  the  Rite  was  used  for  the  famous  Disney  film  "Fantasia",  which  the  composer  hated.  But  don't  miss  the Rite of  Spring.  You  certainly  won't  hate  it !


Posted: May 27 2009, 08:45 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Did Classical Music "Decline" In The 20th Century ?

  Some  think  it  did,  but   it's  much  more  complicated  than  that.  There  are  those  who  say  that  somehow,  classical music  went  astray  in  the  20th  century,  especially  with  the  invention  of  atonality  and  Arnold  Schoenberg's  12  tone  system  of  composition.  Many  composers  no  longer  strove  to  write  music  which  pleased  audiences;  instead,  they  wrote  fearsomely  complex, knotty  works  without  a  shred  of  hummable  melody  and  harmonies  which  people  could   grasp,  and  rhythms  which  were  so  irregular  and  asymetrical  that  the  performing  musicians   needed  an  enormous  amount  of  extra  rehearsal  time.

  But  certainly,  not  all  composers  chose this  path,  and  audiences  did  not  reject  their  music  at  all.  In  fact,  they  managed  to  write  music  of  real  substance  and  stature  without  selling  out  to  the  lowest  common  denominator  or   merely  writing  a  pallid  imitation  of  the  music  of  the  past.  Composers  such  as  Dimitri  Shostakovich,  Benjamin  Britten,  Aaron  Copland,  are  just  a  few  who  come  immediately  to  mind. 

  But  we  should  avoid  false  dichtomies  here,  and  the  simplistic  notion  of  "Tonal  Good"  and " Atonal  Bad".  The  music  of  such  20th  century  pioneers  as  Schoenberg  and  his  disiples  Alban  Berg, Anton  Webern  and  other  composers  of  rigorous  and  complex  music  should not  be  dismissed  out  of  hand  either.  In  fact,  if  you  make  the  attempt  to  get  familiar  with  their  music,  you  may  find it  highly  rewarding.  Tonal  means  that  the  music  uses  the  system  of  tonality, and is  a  a  key,  such  as  C  major  or  D  minor  etc.

   The music  of  Schoenberg  and  his  discples  may  not  be  as  popular  as  Rachmaninov  or  Puccini,  but  it  has  held  its  own  and  is  still  performed   today,  and  has  received  numerous   recordings  over  the  years by  conductors  and  other  musicians  who  believed  in  it,  such  as  Pierre  Boulez,  Dimitri  Mitropoulos,  Robert  Craft,  Michael  Gielen,  Christoph von Dohnanyi,  Hans  Rosbaud  and  other  eminent   musicians. 

  Detractors  of   rigorous  music  like  to  say  that   since  audiences  have  rejected  it  for  the most  part,  it  will  never  survive  and  achieve  the  lasting  place  in  the  canon  of  Western  Classical  Music  occupied  by  such  greats  as  Bach,  Mozart,  Beethoven,  Schubert  and  others.  But  we  should  not  equate  mere  audience  popularity  with  success.  Merely  because  composer  X  is  played  much  more  often  than  composer  Y  does  not  mean  that  compser  Y  is  worthless.  .

  It's  important  to  see  the  big  picture.  The  whole  history  of   Western  classical  music   goes  back  centuries,  to  the  time  of  such   great  early  composers as  Claudio  Monteverdi ,  Heinrch  Schutz,  Giovanni  Gabrieli,  and  others  from   before  the  18th  century,  and  the  birth  of  opera  and  the  symphony  orchestra.  The  number  or  works  written  is   unimaginably  huge.  It's  been  estimated  that  approximately  40,000   operas  have  been  written  since  the early  17th  century.   Who  knows  how  many  symphonies, concertos,  sonatas,  cantatas,  oratorios  and  other  works  have  been  written?  There's  no  way  to  know.

   Over  the  centuries,  countless  works   have  been  forgotten, probably  deservedly. It's  no  different   for  20th  century  music.  Much  of  it  has  been  deservedly  forgotten,too.  But  classical  music  is  in  no  way  stagnant;  new  works  are  constantly  being  premiered  and   neglected  works  from  the  past  are  constantly  being  revived. 

  And  who  knows  what  new  trends  and  movements  in  the  classical  music  of  the  21st  century  will  emerge?  There's  no  way  to  predict.  No  doubt  there  are  talented   composers  now  who  are  just  children  or  teenagers,  and  there  are  already  talented  young  composers  starting  to  gain  recognition.  Johannes  Brahms  (1833- 1897) ,  considered  a  conservative  as  opposed  the  his  revolutionary  contemporary  Wagner,  could  have lived long  enough  to  hear  Stravinsky's   once  shoicking   "Rite  of  Spring",  which  had  its  legendary  and scandalous  premiere  in  Paris  in  1913.  Brahms  would  have  been  80.   The  Rite  would  have  left  him  speechless , and  no  doubt  he  would  have said  that  it  was  not  even  music.  But  today,  this  once  outrageous  work is  in  the  repertoire  of  virtually  every  orchestra,  and  audiences  cheer .   


Posted: May 26 2009, 08:16 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Benjamin Britten's Powerful "War Requiem"

  The  great  English  composer  Benjamin  Britten  (1913 - 1976) ,  whose  opera  Peter  Grimes  I  profiled  here  recently,  wrote  a  great  work  in  the  early  1960s  which  is  highly  appropriate  to  discuss  on  this Memorial  Day.  This  is  the  monumental  "War  Requiem",  for  large  orchestra, chorus,  boy's  choir  and  soprano, tenor  and  baritone  soloists.

  Here,  Britten  combines  the  text  of  the  traditional  Latin mass  for  the  dead,  which  has  inspired  so  many  composers,  with  the  anti-war  poems  of  the  English  Poet  Wilfred  Owen (1893 - 1918),  who  died  in  combat  at  the  very  end  of  the  first  world  war.  The  composer  was  a  lifelong  pacifist.  The  world  premiere  took  place  in  May,  1962,  at  the  newly  restored  Coventry  cathedral  in  England,  which  had  been  destroyed  in  1940,  with  the  composer  conducting.  This  great  and  powerful  masterpiece  has  gone  on  to  be  performed  by  leading  orchestras  all  over  the  world.

   The  various  parts  of  the  Latin  requiem  text,  Requiem  Aeternam,  or  grant  them  eternal  rest,  Dies  Irae,or  day  of  wrath,  the  Offertoruium,  Sanctus(holy),  Agnus  Dei(lamb of  God)  and  Libera  Me  (  free  me  from  eternal  death),  are  mixed  with  Owen's  anti-war  poems.  The  Latin  and  English  texts  alternate.  A  large   orchestra  is  used,  and  a  much  smaller  group  of  instruments  is  used  for  Owen's  poems., which  are  sung  by  a  tenor  and  a  baritone.  A  soprano  soloist  is  used  for  the  Latin  text. 

  The  massive  and  grandiose  outbursts  of  the  Latin  mass  sections  alternate  with  the  quieter  and  more  intimate  passages  using  Owen's  poems.   The  Dies  irae,or  day  of  wrath  section,  is  brutal  and  terrifying,  but  the  work  ends  on  a  note  of  hopefulness.  Owen  wrote : "My  subject  is  war, and  the  pity  of  war - The  poetry  is  in  the  pity. All  the  poet  can  do  is  warn".

  At  the  time  of  the  premiere,  Britten ,  who  was  an  excellent  conductor  as  well  as composer,  recorded  the  War  Requiem  with  the  London  Symphony  orchestras  and  chorus  for  Decca  records,  with  the  great  Russian  soprano  Galina  Vishnevskaya,  wife  of  the  late , great  Russian  cellist  and  composer  Mstislav  Rostropovich ,    his  close  friend  and  colaborator  tenor  Peter  Pears,  and  the  renowned  German  baritone  Dietrich  Fischer -Dieskau  as  soloists.  This  recording is  still  available,  but  other  leading  conductors  such  as  Simon  Rattle,  Robert  Shaw, Kuert  Masur,  and  John  Eliot  Gardiner  have  made  subsequent  recordings. 

   You  owe it  to  yourself  to  hear  this  powerful  and  unforgettable  masterpiece.


Posted: May 25 2009, 08:15 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Is Classical Music Relevant ?

  The  other  day  I  was  visiting  the  website  of  the  iconoclastic  composer,  critic  and  blogger  Greg Sandow (  It's  certainly  very  interesting  and  thought-provoking,  but  unfortunately,  it, as  well  as  his  other  writings  can  give  people  who  know  little  or  nothing  about  classical  music  the  wrong idea. You  can  see  his  blog  at

  Sandow  is  also  a  fan  of  Rock  music  and  popular  culture,  and  although  he  deeply  loves  classical  music, is  concerned  that  the audience  for  it  may  not  only  be  diminishing,  but  in  danger  of  dying  out  altogether,  and  he's  certainly  not  alone  in  this.  Why?  Because  classical  music  is  no  longer"relevant",  it's  too  rarified, and  audiences  no  longer  behave  as  they  did  in  past  centuries,  and  most  of  the  music  we  hear  today  is  from  the  past.

  In  addition,  classical  music  concerts  need  to  be  more  like  Rock  or  pop  performances.  The  atmosphere  is  toop  stuffy  and  reverential.  This  centuries -old  art  form  must  change  and  adopt  or  risk  dying.  But  Sandow  is  makinbg  the  mistake  of  judging  classical  music  by  the  wrong  standards.  Just  because  audiences  at  the  concerts  by  our  symphony  orchestra  concerts  are  not  loud  and  boisterous ,  the  way  they  are  at  Rock  concerts  does  not  mean  that  there is  something"wrong'  with  classical  music  today.

  You  can  read  an  article  on  his  website  by  Sandow  called"Why  isn't  classical  music  more  like  Rock",  or  something  to  that  effect.  But  what  if  some  one  to  write  an  article  called"Why  can't  Rock  be  more  like  classical  music?"   Any  one  who  did  this  would  be  accused  of  snobbishness  and  elitism.  Why  can't  we  just  let  both  be  the  way  they  are? 

  Some  of  the  problems  Sandow  cites  in  classical  music  today  are  the  way  people  who  are  new  to  concerts  are  sometimes  shushed  when  they  applaud  between  movements  of  a  symphony  or  concerto,  and  the  fact  that  audiences  in  general  are  too  quiet  at  concerts,  except  to  applaud  or  cheer  at  the  end  of  a  work.  Things  weren't  like  that  in  the  19th  and  18th  centuries..

  Well  yes.  He's  right  up  to  a  point.  But  the  behavior  has  simply  changed.  This  doesn't  mean  however,  that  audiences  don't  get  an  enormous  amount  of  pleasure  and  even  excitement  at  concerts.  And  applauding  between  movements  is  making  something  of  a  comeback  today.  But  it's  true  that  nrewcomers  to  concerts  do  get  terribly  embarrrassed  by  being  told  to  be  quiet  between  movements. 

  And  some  members  of  orchestras  or solo performers  say  that  applause  between  movements is  disconcerting(no  pun  intended),  and  causes  them  to  lose  concentration  at  performaces.  But  what  is  wrong  with  people  being  quiet  at  concerts?  After  all,  when  you  go  to  thew  movies, you  don't  like  the  people  around  you  making  noise;  it's  rude,  inconsiderate  at  extremely  distracting.  Why  should  it  be  any  different  at  concerts?

  Another  Sandow  complaint is  that  we  don't  hear  enough  new  music  at concerts today. There's  too  much  concentration  on  music  from  the  past.  In  Mozart's  day, the  late  18th  century,  almost  all  music  at  concerts  was  new.  Mozart  was  always  organizing concerts  to  perform  his  own  piano  concertos  and  symphonies, for  example. 

  But  Sandow  is  conveniently  ignoring  certain  important  facts.  In  Mozart's  day,  the  symphony  orchestra  as  we  know  it  was  a  relatively  new  thing.  They  just  didn't  have  the  enormous  accumulation  of  repertoire  which  exists  today.   Today,  you  can  hear  anything  from  music  by  Mozart  and  his  good  good  Joseph  Haydn,  and  Beethoven, who  lived  from  1770  to  1827,  to   the  latest  music  by  contemporary  composers. 

  Yes,  it's  true  that  the  so-called"Standard  Repertoire",  that  canon  of  long-established  popular  works  at  concerts,  is  still  popular.  But  this  hasn't  prevented  an  enormous  number of  new  works  from  being  premiered  in  our  time.  As  well  as  the  revival  of  many,many  long  neglected  works  from  the  past. 

  In  addition,  in  the  18th  century,  there  were  only  a  tiny  fraction  of  all the  orchestras,opera  companies  and  other  perfoming  groups  existing  today.  Public  performances  were  nowhere  near  a  frequent  as  today.  Only  major  cities  in  Europe,  such  as  London,  Vienna,  Paris  etc,  had  an  active  musical  life.  If  you  were  just  Joe  Schmo  in  some  remote  rural  Austrain  village ,  your  chances  of  attending  Mozart's  concerts  in  Vienna  were  non-existent.

  Today,  virtually  any  one  can  hear  CDs,  see  DVDs,  listen  to  classical  music  on  the  radio,  or  the  internet  of  the  entire  range of  classical  music.  Our  orchestras  and  opera  companies  perform  a  wider  variety  of  repertoire  than  ever  before.  So  classical  music  isn't  relevant  today?

Posted: May 24 2009, 08:19 AM by the horn | with 3 comment(s) |
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
More On The Venerable Tradition Of Wagner- Bashing.

  Despite  all  the  controversy  surrounding  his  musc.  life, and  character,  Wagner's  music  still   packs  opera  houses  all  over  the  world.  If  you  want  to  get  tickets  for  the  annual  Bayreuth  festival  in  Germany,  which  opened  in  1876  and  is  still run  by  the  composers  descendents,  you'll  have  to  wait  ten  years !  It's  easier  to  get  an  audience  with  the  Pope.

  Wagner's  music  will  always  divide  people;  there  are  those  who  find  his  operas and  orchestral  excerpts   thrilling  and  inspiring,  and  the  characters  and  their  inteaction  fascinating,  and  those  who  find  the  music  loud,  bombastic,  pretentious,  and  excriciatingly  boring,  and  his   characters  ridiculous  and  the  plots  as  preposterous  as  they  are  pretentious.

  Wagner-bashing has  a  long  and   venerable  tradition.  Thr  composer  has  been  at  times the  victim of  either  sneering  mockery  or  outright  viterperation.  There  are  many  amusing  quotes  about  the  music.  Here  are  some :

  "Wagner's  music  is  better  than  it  sounds".  Mark  Twain."  Wagner  has  its  great   moments  but  awful  quarters of  an  hour. "  Gioacchino  Rossini.

 "Every  time  I  listen  to  Wagner,  I  get  the  urge  to  invade  Poland."   Woody  Allen.

 "  I  like  Wagner's  music  better  than  any  other  muisc. It  is  so  loud  that  one  can  talk  the  whole  time  without  people  hearing  what  one  says."  Oscar  Wilde.

 Wagner's  music  recognnizes  only  superlatives,  and  a  superlative  has no  furure. It  is  an  end,  not  a  beginning."  Eduard  Hanslick,  a  famous  19th  century  music  critic  and  Wagner  detractor.

 "Of  all  the  affected,  sapless, soulless, beginningness, endless, topless,  bottomless, topsiturviest, scrannel-pipiest, tongs  and  boniest  doggerel  of  sounds  , that  eternnity  of  nothing  was  the  deadliest  I  ever  endured."  19  the  century  art  critic  John  Russell  on  Die  Meistersinger  Von  Nurnberg.

  And  the  controversy  over  this  dazzlingly  brilliant  genius  will  continue  as  long  as  classical  music  and  opera  are  performed.



Posted: May 23 2009, 08:45 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Happy 196th Birthday, Richard Wagner !

 May  22  is  the  birthday  in 1813  of  the  most  controversial  composer  of  all  time,  Richard  Wagner,  in  the  historic  German  city  of  Leipzig,  in  the  former  DDR,  which  is  also  the  city  forever  associated  with  Joann  Sebastian  bach  and  Felix  Mendelssohn.  Wagner  is  also  one  of  the  most  fascinating  of  composers;  a  megalomaniac,  anti-semite,  womanizer  and  deat  beat.

  But  he  was  also  one  of  the  greatest  geniuses  who  ever  lived,  in  any  field.  He  wasn't  the  nicest  of  people,  although  he  was  hardly  evil,  as some  have  made  him  appear  to  be. People  tend either  to love  or  hate  his  music;  I'm  a  passionate  Wagnerite,  but  others  ,including  some  famous  composers,  absolutely  loathe  it.  There's something  about  the  music  and  the  man  which  just  rubs  some  people  the  wrong  way. In  some  cases,  the  intense  dislike  is  colored  by  the  fact  that  he  was  an  anti-semite,  and  wrote  a  notorious  essay  called "Judaism in  Music".

  And yes,  Hitler  had  idolized  Wagner  from his  youth,  and  turned  him  into  the  unofficial  symbol  of  the  Third  Reich.  The  two  will  be  forever  associated  with  each  other.  But  Wagner  dies  in  1883,  six  years  before  Hitler  was  born.  Unfortunately,  Hitler  read  all  manner  of  things  into  Wagner  and  his  music  which  simply  aren't  there.  The  monumental  four  opera  cycle  "The  Ring  of  the  Nibelungen " isn't  a  paean  to  Naziism  at  all.  In fact,  it's  the  story  of  how  the  Germanic  God  Wotan  and  the  other  gods  are  destroyed  by  his  lust  for  power  and riches.

  Wagner  may  have  disliked  Jews, and  he  was  convinced  that they  were intrinsically  incapable of  greating  great  music  or  other  art.  But  he  never  advocated  genocide  against  them  or  any  other  group  of  people.  And  he  actually  admired  some  of  the  music  of  Mendelssohn,  who  was  four uyears  older,  and  a  Jew  whose  family  had  converted  to Lutheranism.  And  as  the  old  cliche  goes,"some  of  his  best  friends  were  Jews".

  Wagner's music   is  unofficially  banned  in  Israel;  there's  no  actual law  against  performing  his  music  there,  but it  just  isn't  done.  The  distinguished  conductor  and  pianist  Daniel  Barenboim,  himself  a  Jew,  has  received  considerable  flak  for  attempting  to  play  his  music  there. It's  a  fact  that  some  holocaust  survivors  cannot  bear  hearing  his  music  because  they  heard  it  constantly  in  the  concentration  camps  during  WW2.  The  memories  are  unbearable, and  you  can't  blamer  them  for  this.

  But  still,  if  you  can  set  aside  the  prejudices  against  Wagner,  his  operas  can  be  absolutely  enthralling.  Some  say  that his  music  is  like  a  drug;  you  just  can't  keep  from  listening  to  it  and  being  fascnated  by  the  sheer  genius  of  his  music.  And  hearing  the  overtures,  preludes  and  other  orchestral  excerpts  from  his  operas  is  also  wonderful. 

  Wagner's  music  has  had  an  enormous  influence  on  so  many  composers,  both  his  contemporaries  and  those  of  the  20th  century.  His  innovations in  complex  chromatic harmony  and  his  dazzlingly  rich  and  colorful orchestration  had  an  enormous  impact  on  such  composers  as  Claude  Debussy,  Anton  Bruckner,  Gustav  Mahler,  Richard  Strauss,  Arnold Schoenberg,  and  other  important  composers.  The  music  of  the  20th  century  would not  be  what  it is  without  Wagner,  and  of  course, other  composers  conciously  strove  to  write  a  vastly  different  kind of music,  such  as  Stravinsky  and  others.  Like it or  not,  you  can't  escape  the  mighty  Richard  Wagner ! 


Posted: May 22 2009, 05:32 PM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Puccini's Trittico - A Trio Of Short, One Act Operas

  In  1918, the  Metropolitan  Opera  presented  the  world  premiere  of  Il  Trittico - the  triptych  of  three  short ,one  act  operas  which  can  be  performed  together ,  making  a  full  length  evening  of  opera.  The  three  are , however  sometimes  perfomed  coupled  with  other  short  operas  instead.

  They  are  varied  and  interesting  stories,  each  with  vastly  different  atmoshperes  and  music. Il  Tabarro(The  Cloak,  )is  usually  performed  first,  and  is  a  gritty  and  violent  opera  of  the  Verismo (realism)  type ,  set  on a  barge  on  the  Seine  in  Paris.  The  middle  opera  Suor  Angelica(Sister  Angelica),  is  a  sentimental  tale  of  suicide  and  redemption  in  an  Italian  nunnery,  while  Gianni  Schicchi  is  Puccini's  only  comic  opera,  and  is  a  sparkling  comedy  about  greed,  fraud  and  clever  conniving  in  medieval  Florence.

  Il  Tabarro  is  dark  and  highly  atmospheric,  and  vividly  de[icts  life  on  a  commercial  barge  on  the  Seine.  Michel,(Michele in  italian  as  the  opera  is  in  that  language,)  is  the  skipper  of  a  barge,  and  lives  on  it  with  his  beautiful  but  unhappy  young  wife  Giorgetta,  and  the  crew  and  stevadores.  Luigi  is  a  young  stevadore  who  falls in  love  with  Giorgetta.  Michele  suspects  something  afoot.  The  crew  go  about  their  business,  and  you  can  hear  young  lovers  on  the  banks of  the  river  and  a  song  peddlar,  etc,  and  the  noises  of  the  barge. 

  Michele  and  Giorgetta  are  having  marital  problems;  she  has  recently  lost  a  child in  infancy,and  their  relationship  is  strained. She  longs  for  her  old  life  in  Paris.  Michele  broods  constantly.  Luigi  and Giorgetta  sing  a  love  duet.  He  is  desparate  to  leave  the  barge  and  find  work  elsewhere.  But  Michele confronts  Luigi  and  strangles  him  underneath  his  large  cloak.  Then  he  reveal's  the  young  man's body  to  Giorgetta  to  her horror.  Not  a  pretty  story,  but  the  music  is  haunting  ,powerful  and  highly  atmospheric.

  Suor  Angelica  takes  place  in  a  nunnery. Sister  Angelica  has  been  put  here  because  she  disgraced  her  family  by  having  a  child  out  of  wedlock.  The  child,  a  boy  was  taken  from  her.  She  accepts  the  life  of  a  nun  and  goes  about her  daily  life  hoping  that  she  will  someday  be  able  to  see  the  child. 

  But  her  aunt  the  princess ,  a  stern  and unforgiving  woman  comes  to  visit  her.  She  tells  her  that  she  is  being  disinherited   for  disgracing  the  family,  because  she  became  the  guardian  of  Angelica  and  her  younger  sister  after  their  parents  died.  Now  the  younger  sister is  about  to  be  married.  Angelica  asks  about  her  child,  but  the  princess  coldly  tells  her  that  the  litlle  boy  died  two  years  ago.  Angelica  is  cushed,  and  her  aunt  leaves.

  Later,  Angelica  sings  a  touching  aria  mourning  her  child  who  died  without  his  mother ,  and  commits  suicide  by  taking  poison.  She  realizes  her  terrible sin and prays to  the  virgin  for  forgiveness.  She  sees  a  vision  of  the  Virgin  and  dies  in  grace  as  a  celestial  choir  sings.  A  mawkish  story?  Possibly,  but  the  music  is  very  beautiful,  and  audiences  enjoy it  despite  the  sentimentality. 

  Gianni  Schicchi  is  a  cunning  peasant  from  the  countryside in  medieval  Italy.  The  story  opens  in  the  palace  of  one  Buoso  Donati,  a  rich  man  in  Florence  who  has  just  died.  His  greedy  relatives  surround  him, weeping  crocodile  tears.  They  want his  inheritance !   A  young  man,  Rinuccio,is in  love  with  Gianni's  pretty  young  daugherr  Lauretta,  and  the  two  are  hoping  to  marry,  but  there  are  problems  with  the  dowry,as  her  father  is  not  rich.  Rinussio's  elderly  aunt  is  opposed. 

  But unfortunately,  Buoso's  will  has  stipulated  that  most  of  his  considerable  possessions ,  including  a  prosperous  mill,  will  go  to  a  monastary  !   The  relatives  are  horrified.  They'be  been  given  mere pittances.  But  what  will  they  do?  Gianni  comes  up  with  an  ingenious  plan  to  save  the  day,  but  warns  them  that  if  the  fraud  hr'e  coming up  with  is  discovered,  they  risk  being  banished for  life  from  Florence  and  having  a hand  cut  off. 

  So  Gianni  calls  the  lawyer  to  take  Buoso's  last  will  and  testament again,  and  cons  him  into  thinking  that  the  old  man was  still  alive,  and he's  the  dying  man !   But  the  cunning  fellow  double crosses  the  greedy  relatives  and  "gives" most  of  the  possessions  to  Lauretta  and  Rinuccio !   When  they  find  out,they're  furious.,  but  Schicchi  chases  them  out  warning about  the  fraud.  The  two  young  people  sing  of  their  love  and  prospects  for  wedded  bliss,  while  Schicchi  asks  the  audience  to  forgive  him,  since  Dante  mentioned  Schicchi  in  hell in  his  famous  inferno !  

  Puccini's  music  is  witty ,  sparkling  and  at  times  grotesque.  You  may  have heard  Lauretta's  famous  aria"O  mio  babbino  caro"(oh  my  dear  daddy)  on  television  commercials.  It's  a  gorgeous  meelody  and  sopranos  love  to  sing  it.  The  three  operas  make  a  very  satisfying  and  enjoyable  evening  in  the  theater,  with  tragedy,sentimentality  and  comedy.  Puccini's  melodious  and  colorfully  orchestrated  music  is  as  appealing  as  any  of  his  more  famous  operas.

  There  are  several  complete  recordings  of  the  trittico on  one  set,  and  several  available  separately, with  such  famous  singers  as  Renata  Tebaldi,  Mirella  Freni,  Mario Del  Monaco,  Placido  Domingo,  Renata  Scotto,  Sherill  Milnes  and  others  available.  Check

Posted: May 22 2009, 08:25 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
The Fauxharmonic - Could This Be The Future Of Classical Music ?

   What  is  the  Fauxharmonic,  and  what  significance  does  it  have  for  classical  music  today  and in  the  future?  It's  the  ingenious  invention  of  classically-trained  composer  and  conductor  Paul  Henry  Smith,  and  is  a  digital  orchestra  able  to  approximate  the  sound  orchestral  music  and  perform   either  familiar  works  or  new  music  It  uses  Nintendo  Wii  technology  and  Bang & Olufson  speakers. 

  As  of  this  post,  Smith  gave  a  concert,  with   guest   performers,  on  May  20th  at  the  Holy  Name  church  in  Roxbury,Massachisetts  with  the  Fauxharmonic.  Beethoven's  first  symphony  was  played,  as  well as  music  by  Paul  Hindemith  and  excerpts  from  a  new  opera  by  composer  Tom  Myron. Conductor?  Smith  controlled  the  device,  with  its  digital  equipment  and  software,  approximating  the  sound  of  a  full  orchestra,  and  controlling   crucial  matters  such  as  speed,  loudness  and  softness,  and  flexibility  of  rhthm,ie  slwoing  down  or  speeding  up.etc.

  Smith  hopes  to  encourage  more  and  more  composers  to  write music  for  the  Fauxharmonic,  as  well  as  playing  familiar  works  for  audiences.  He  had  studied  composition  at  Brandeis  and  Oberlin,  and  conducting  with  no  less  than  Leonard  Bernstein  at the  Tanglewood  festival. 

  This  ingenious  device  raises  a  number  of  questions.  Will  digital  technology  such  as  this  be  beneficial  for  classical  music,  or  could  it  cause  serious  problems?  Yes,  it's  often  difficult  for  contemporary  composers,  particularly  younger  ones,  to  get  performances  by  US  orchestras,  which  are  constrained  by  conservative  audiences  which  tend  to  be  reluctant  to  hear  new music,  and  limited  rehearsal time.

  But  the  Fauxharmonic  and  other  digital  technology  could  enable  more  and more  composers  to  have  their  music  performed  without  the  time,  expense  and  money  required  by  traditional  orchestras.  And  it  could  enable  audiences  in  remote  areas  to  hear  orchestral  music  without  all  the  expenses  of  travelling  to  cities,  or  having  orchestras  tour  remote  areas.

  And  could  this  technology  create  diffiulties  for  our  live  orchestras,  and  decrease  their  ticket  sales  etc,  and  possibly even  threaten their  existence?  Who  knows ?.  As  many  critics,  fans  and  other  maintain,  there's  no  substitute  for  a  live  performance,  with  human  musicians,  the  spontaneity  and  inspiration  of  the  moment  and  all  that. 

   Well, at  least  for  the  time  being,  are  orchestras,  whatever  the difficulties  that  threaten  them,  are  alive   and  kicking.  But it  will  be  interesting  to  se  what  happens.  I  heard  a  bit  of  Beethoven's  symphony  no  7  on  Smith's  interesting  website,  and  it  sounded   pretty  close  to  a  real  orchestra,  but  something  was  missing....   Try  it  and  make  up  your  own  mind.


Posted: May 21 2009, 08:27 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Don Quixote By Richard Strauss- A Vivid Evocation Of The Great Novel By Cervantes

 In  1897  ,  the  world  premiere  of  the  symphonic  poem  "Don  Quixote  by  Richard  Strauss  took  place  in  Munich.  The  composer  used  the  full  force of  his  vivid  imagination  and  his  prodigious  skill  in orchestration  to  create  a  masterpiece  of  descriptive  music. 

  As  is  well-known,  the  great  novel  by  the  Spanish  writer  Miguel  de  Cervantes,  an  almost  exact  contemporary  of  Shakespeare,  tells  the  story of  an  elderly  Spanish  nobleman  whose  mind  is  confused by  his  reading  of  ancient  books  of  medieval  chivalry  into  thinking  he  is  a  wandering  knight  errant.  He  meets  a  peasant  named  Sancho  Panza  who  humors him  and  becomes  his"spuire",  and  they  go  through  all  manner  of  strange  adventures.

  Strauss  casts  the work  in  the  form of  a  theme  and  variations  with  an  introduction.  Each  variation  describes  an  episode  from  the  novel.,  and  a  solo  cello  represents  Don  Quixote,  with  a  solo  violist  portraying  Sancho.  A  large  orchestra,  complete  with  a  wind  machine ,extensive  percussion  and  even  a  baritone  horn  or  euphonium  is  used.

  The  composer  describes  the  work  as  "Fantastic  variations  on  a  theme  of  knightly  character"  on  the  title  page  of the  score.  The  introduction  depicts  the  Don's mind  being  led  astray  by  his  reading  of  ancient  books. 

  Theme :  Don  Quixote, the  knight  of  the  sorrowful  countenance.  The  solo  cello  depicts  the  melancoly  knight  with  his  wild  imagination.

 Variation:  Sancho  panza,  the  bumbling  peasant  who  humors  the  Don  and  is  willing  to accompany  him  on  his  misadventures,  portrayed  by  a  solo  viola  with  a  baritone horn.

 Variation:  The  Don  and  Sancho  fight  a  battle  against   bleating  sheep  which  to  the  old  knight  represent  a  hostile  army.  The  brass  and  woodwind  use  a  technique  called"flutter  tonguing"  to  depict  the  bleeting  of  the  sheep.

 Variation :  The  Don  encounters  a  windmill.

 Variation:  The  battle  between  the  Don  and  the  imaginary  evil  emperor  and  his  army.

Variation :  Dialogue  between  the  knight  and his  squire.

 Variation.  A procession  of  pilgrims.

 Variation: The  knight  stands  vigil.

 Variation :  The  Don  meets  Dulcinea,  a  common  woman  whom  he  imagines  as  his  chivalric  beloved.

 Variation.  The  Don  and  Sancho  imagine  they  are taking  a  magic  ride  through  the  air,  with  a  wind  machine  in  the  orchestra.

 Variation :  Voyage  in  an  imaginary  boat.

 Variation:  Battle  with  the  imaginary  evil  magicians.

  Variation :  Battle  with  the  knights  in  white.  Here,  the  Don  is  finally  brought  to  his  senses  in  a  mock  battle.

  Final  variation :  The  elderly  Don,  now  in  his  right  mind,  dies  peacefully.

    In  Don  Quixote,  Strauss  created  a  masterpiece  that  is  both  whimsical,  grotesque ,picturesque  and  touching.  There  are  many  fine  recordings  of   it, including  ones  by  such  eminent  Strauss  conductors  as  Herbert von Karajan,  Rudolf  Kempe, Lorin  Maazel,  the  composer  himself  and others.

Variation :

Posted: May 20 2009, 08:16 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
In Classical Music, There's No Substitute For Repeated Hearings

  The  discussion  on my  last  post  about  the  hostility  of  so  many  people  to  contemporary  music  reminded  me  of   the  fact  that  in  classical  music,  the  old  saying   that"familiarity  breeds  contempt"  isn't  true  at  all.  In fact,  it's  the  opposite. -unfamiliarity  breeds  contempt. 

 That's  why  recordings  are  so  valuable.  If  you  go  to  a  concert,  and  the orchestra  plays  something  by  Schoenberg  or  his  disciples  Berg  and  Webern, or  some  other  20th  century  composer,  the  music  may  leave  you  completely  baffled.  But  if  you  get  a  recording,  you  can  give  the  music  repeated  hearings,  and  if  you  take  the  time  and  effort  to  do  this,  chances  are,  the  music  will  start  to  make  much more  sense  to  you.  You  can  even  get  to  find  it  downright  enjoyable !

  This  can  even  be  true  of  complex  music  written  before  the  20th  century,  such  as  the  elaborate  polyphony  in  Bach,  the  intricacies  of  Beethoven's late  string  quartets,  the  vast  and  expansive  symphonies of  Bruckner  and  Mahler,  and  other  works.  From  my  own  experiences  listening,  I've  found  this  has  happened  so  many  times  to  me.  I  would  listen  to  an  unfamiliar  piece  the  first  time  on  a  recording  and  couldn't  make  head  or  tail of  it.

  But  with  repeated  hearings,  what  seemed  like  chaos  at  first  became perfectly  clear  and  coherent.  Of  course,  this isn''t  true  of  all  classical  music.  The  are  plenty  of  simple  and  straightforwardly  melodious  works  that  aren't  difficult  at  all  on  first  hearing.  But  even  here,  repeated  hearings  can reveal  new  subtlties  to  you.  Mozart's  Eine  Kleine  Nachtmusic  (meaning  a  little  serenade,  not  a  little  night  music,  as  in  a  little  bit  of  music),  for  strings,  or  Vivaldi's  Four  Seasons  are  pieces  that  appeal  to  audiences  everywhere  and  are  good  for  classical  newbies. 

  But  Mozart wrote  much  more  complex and challenging  music,  such  as  his  last  three  symphonies,  some  of  his  piano  concertos,  masses,  string  quartets  etc.  He  wrote  music to  please  audiences,  as  composers  were expected  to  do, but  also  music  for  his  own  personal  reasons,  aimed  at  experts.  Mozart  wrote  a  large  numer  of  works  called  Divertimentos,  serenades  etc,  for  quick  profit  and  to  please  the  aristocracy  at  banquets etc,  as  composers  were  expected  to  in  those  days.

  Today,  pop  music  is  designed  for  immediate  appeal  to  mass  audiences.  There's nothing  wrong with  that,  but  certain  composers ,  such  as  Elliott  Carter,  Pierre  Boulez  and others,  write  extremely  complex  ad  esoteric  music  which  many  people  who  attend  concerts  find  utterly  puzzling or  even  disturbing.  The  distinguished  American  composer,  theorist  and  teacher  Milton  Babbitt  wrote  an  article  many  years  ago  for  the  now  defunct  record  review  magazine  High  Fidelity  about  his  music  and his  aesthetic  ideas.  He  said  that  he  wrote  music  for  learned  musicians  and  composers   which  was  deliberately  esoteric,  much  as  scientists  and  mathematicians  wite  their  impenitrable  papers  and  treatises. 

  The  editor  at  High  Fidelity  came  up  with  a  catchy  but  misleading  title  for  the  article  called"Who  cares  if  You  Listen"?  This  damaged  Babbitt's  relation  with  the public.  It's  not  true  that he  doesn't  care  if  you  listen.  Ironically,  Babbitt  is also  a  great  admirer  of  popular  music ,  broadway  musicals  and  Frank  Sinatra  etc,  and   has  even  written  popular  songs  of  his  own.

  AS  a  horn  player,  I  once  performed  a  very  dense,  abstruse work  by  the  austere  Austrian  composer  Anton  Webern( 1883 - 1945), the one  who  was  tragically  shot  and  killed  accidentally  by  an  American  soldier  on  guard   just  after  WW2.  He  had  studied  with  Schoenberg, and  adopted  the 12  tone  system  of  composition.  of  his  teacher,  but  developed  his  own  style  of  composing.. It  was  a  brief  work  called"Six  Pieces  For  orchestra,"  six  brief,  enigmatic  atonal  pieces. 

  During  the  rehearsals,  the  music  started  to  make  much  more  sense  to  me; and it  even  started  sounding  tuneful  after  a  while !   But  back  in  the  1950s,  when  the  distinguished  Greek  conductor  Dimitri  Mitropoulos (1896 - 1960)  was  music  director  of  the  New  York  Philharmonic  and  led  it  at  a  concet  in  Carnegie hall,  not  oonly  the  audience,  but  some  of  the  musicians  were  appalled.  Many  booed  or  walked  out  in  disgust.  Throughout  his  career,  Mitropoulos  was  a staunch  champion  of  difficult  contemporary  music.  His  attitude  was Damn  the  torpedos !

   Things are  still  like  this  at  concerts  in  many  places.  Many in  the  audience  want  their  beloved  Tchaikovsly  and  Rachmaninov,  and their  Beethoven  and  Brahms etc.  It's  comforting.  But  shouldn't  concertgoing  also  be  mentally  stimulating  too?

Posted: May 19 2009, 08:28 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Forget About Waterboarding - Why Not Use Music By Contemporary Composers ?

  With all  the  controversy  about  toruture  today,  it  occurred  to  me  that  we  might  use  music  by  contemporary  composers  such  as  Pierre  Boulez,  Karlheinz  Stockhausen,  Elliott  Carter,  Milton  Babbitt  and  other  distinguished  living  or  recently  deceased  composers  who  are  known  for  torturing  audiences  at  concerts. 

  If  audiences  are  so  pained  by  the  music  of  these  composers,  why  not  use  it  to  get  confessions  out  of  suspected  terrorists?  All  kidding aside,  it  seems  that  many  concertgoers  would  in  fact  prefer  waterboarding  to  music  by  these  and other  contemporary composers.  Heck,  they're  even  pained  by  the  music  of  Arnold  Schoenberg,  who  lived  from  1874  to  1951,  and  started  writing  his  dreaded  modern   music  about  a  century  ago !

  But  as  I've  explained  before,  Schoenberg  didn't  start  out  writing  this  awful  modern  stuff.  His  early  works  are  in  fact  highly  romantic,  and  influenced  by  Wagner  and  Brahms,  composers  whose  music  he  never  even  rejected,and  in  fact  revered.  But  even these  early  and  approachable  works  seem  to  be  box  office  poison.  The  Philharmonia  orchestra  of  London  had  to  come up  with a  clever  marketing  ploy  recently  to  attract  audiences  to  a  performance  of  Schoenberg's  massive  oratorio  "Gurrelieder,"  which  is  not  at  all  atonal  or  forbidding

  They  advertised"Satisfaction  guaranteed  or  your  money  back".  But  unfortunately,  some  concertgoers,  and  opera  fans  too,are  so  hostile  to  anything  that  isn't  superficially  pretty  and hummable  that  they  are  reluctant  to  hear  a  lot  of  wonderful  music  that  isn't  even  particularly  avant-garde.

  Just  the  other  week,  conductor  Alan Gilbert,  who  will  become  the  New  York  Philharmonic's  next music  director  this  September,  did  a  performance  with  the  orchestra  of  a  symphony  by  Czech  composer  Bohuslav  Martinu  (1890- 1959).  Many  in  the  audience  had  walked  out  before  the  performance,  apparently  only  wanting  to  hear  the  music  on  the  first  half  by  Dvorak  and  Saint-Saens,   both  popular  19th  century  composers.

  But  the  Martinu  symphony  isn't  atonal  at  all,  and  though  its  harmonies  are  often   pungent,  there is  absolutely  nothing  unpleasant  or  ugly  about  it . Many  consider  it  to  be  a  masterpiece,  myself  included.  If  these  people  had  stayed  to  hear  it,  they  might  have  been  surpised  at  how  much  they  enjoyed  it.

  But  maestro  Gilbert  is  absolutely  committed  to  giving  new  music  a  chance  to  be  heard,  as  well as  championing   lesser-known  works  from  the  past,  and  he is  far  from  being  alone  in  this  among  conductors  today.  There  is  concern  that  his  adventurous  programming might  alienate  audiences  and  even  cause  the  Philharmonic  to  lose  revenue  through  lower  ticket  sales.  But  never  fear,  the  orchestra  will  continue to  offer  the  familiar  masterpieces  which  audiences  know  and  love.

  The  opening  night  performance  will  feature  the  Berlioz  "Symphonie  Fantastique",  which  though  popular  today, was  considered  an  outrageous  avant-garde  shocker  when it  was  new  in  the  1830s.  Rossini,  composer  of  "The  Barber  of  Seville"  and  other  famous  operas,  declared  that  it was  not  music !   But  as  they  say,  the  more  things  change,  the  more  they  stay  the  same.  Who  knows  how  people  in  the  futuire  will  react  to  the  avant  garde  composers  of  today?  We  might  be  surprised  if  we  could  come  back  a  century  from now.

Posted: May 18 2009, 08:17 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Why Can't Classical Musicians Keep Their Political Opinions To Themselves ?

  Recently,  the  great  Polish  pianist Krystian  Zimerman  was  giving  a  recital  at  Disney  hall  in  Los  Angeles.  He's  a  wonderful  pianist  and musician  who  has  delighted  concertgoers  all  over  the  world  with  his  playing  of  Chopin,  Brahms,  Rachmaninov  and  many  other  composers.  He's  made  many  superb  recordings  for  Deutsche  Grammophon  records. 

  But  unfortunately, he  interrupted  the  L.A.  recital  with  a  brief  tirade  against  the  U.S.  government,  and  said"Keep  your  hands  off  my  country".  The  audience  was  dismayed  and  confused.  Zimerman  was  also  complaining  about  the  mess  in  Guantanamo,  and  expressing  his  outrage  to rumors  that  the  US  government is  keeping  suspected  Al  Qaeda  members  at  secret  locations  in  Poland. 

  He  was  scheduled  to  give  recitals  elsewhere  in  the  US,  including  Boston,  but  canceled  them,allegedly  due  to  illness.  But  the  suspicion  is  that  Zimerman  was  not  actually  ill,  and  the  pianist  has  said  that  he  will  never  again  perform  in  America.  What  a  loss  this  would  be!

   But  why  can't  classical  musicians  just  keep  their  political  opinions  to  themselves?   What does  it  accomplish  by  ruining  a  performance  with  tirades  like  this?  It might  be  better  to  confine  these  to  interviews,  or  perhaps  Zimerman  should  start  his  own  blog.  But  who  needs  such  temper  tantrums  at  performances ?

Posted: May 17 2009, 08:34 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
More Posts Next page »