The  Scandinavian tradition  of  classical  music  is  much  older  and  richer  than  most   music  lovers  realize,  and  continues  to  flourish   in  the   present  day.   The  only  universally  familiar  nordic  composers  are   Norway's   Edvard   Grieg   ( 1843 - 1907 ),  and  Finland's  Jean  Sibelius  ( 1865 - 1957 .)   But   these  countries  have  produced  a  surprisingly  large  number   of  composers,  as  well   as   outstanding   performers,   and  there  is  quite  a  lot  of   obscure  but  very  enjoyable   Scandinavian  music.  Even  the  tiny, isolated  island  nation of  Iceland  has  produced  some  composers,  including  the very  original   Jon  Leifs   (1899 -1968 ).

   The  greatest  composer  of  Denmark   is the  remarkable  Carl  Nielsen  ( 1865 - 1931 ),   who   has  only  become  widely  known   outside  of  Scandinavia   since  the  1960s  when  Leonard  Bernstein  became filled  with  enthusiasm  about his  music  and   championed  it , making  recordings  which  are  now  considered  classics.   Other  prominent  conductors  have  since  taken  up  the  cause  of  this  highly  individual  composer,  as  well  as  other  musicians,  and  there  are  now  plenty  of  Nielsen recordings  available. 

   Nielsen  was born  on  the  idyllic  Danish  island  of  Funen   in  the  same  year  as  Sibelius,  and  the  two  composers  were  friends   and   greatly  admired  each  other.  Incidentally,  Funen  was  also  the  birthplace   of   fairy  tale  writer  Hans  Christian Anderson .  Nielsen  came  from   a   large  and   humble   family,  the  son  of  a  house  painter  and  amateur  musician.   He  showed  early  musical  promise,  and  learned  several  instruments,  including  the  bugle,  which  he  played  in  the  band  of  an   army  regiment.  

   He  studied  violin  and  composition  at  the  Copenhagen  conservatoire  with  some  of  Denmark's  leading  composers  and  teachers,  and  became  an  accomplished  violinist.  He  became  a  member  of  the  Royal  Danish  orchestra,  which  still  exists,  and  later  took  up   conducting  and   became  its  chief  conductor.   He  traveled  throughout  Europe,  in  particular  Germany,  absorbing  the  latest  musical  trends,  but  always  remained  himself  as  a  composer.

   Nielsen  wrote  six  symphonies,  which  are  his   best  known  works,  three  concertos , for  violin,  flute  and clarinet,  a  woodwind  quintet, string  quartes,  miscellaneous  orchestral  and  choral works,  and  the  Danish  national  opera,  the  delightful  comedy  Maskarade,  and  the  more  serious  Biblical  opera  Saul  and  David,  and  much  else.

   Nielsen's  music  is  vastly  different  from  the  brooding   nature   painting  of  Sibelius;  it  is   energetic,  unsentimental,   sometimes   ferocious  and  sometimes  playful  and  humorous.  He  developed  a  system  of  composing  in  which  a  symphony or  concerto etc  is  no  longer fixed  to  one  key,  such  as  C  major  or  D  minor  etc.  This  has  been  called  "Progressive  Tonality".   His  contemporary  Gustav  Mahler   ( 1860 - 1911 )  also  used  it  in  some  of  his  symphonies,  but  not  to  the  extent  of    the  Dane.  In  a  symphony  by  Mozart,  Haydn  or  Beethoven  etc,  if  a  symphony  starts  in  C  major,  you  can  be  sure  that  it  will  end in  that  key,  even  though   the  slow  movement is in   a  different  one,  and  there  are  many  modulations,  or  key  changes  within  any  given  movement.

   But  not  so  with  Nielsen.  You  can  never  predict  what  key  a  work  of  his  will  end  in,   and  there  is  actual  conflict between  the  keys   for   dominance.   And  in  his  later  years,  his  music  became  so  harmonically  complex  that   he   sometimes   seems  to  abandon   any  sense  of  key  at  all.  Schoenberg  and  other  composers    abandoned  writing  in  a  key   altogether,  and  invented  the  controversial  12-tone  system   which  his  students  and  many  other  20th  century  composers   adopted  and  modified.

   One  of  Nielsen's  most  famous  works   is  the  mighty  symphony  no  4,   which  he  called  "The  inextinguishable".  In   the  first  world  war,   he  was   appalled  at  the  mass  carnage,  and   came  up  with  the  idea    that  this  symphony  would  represent   the  "Inextinguishable"   life  force  which   would   cause  life on  earth  to   be  regenerated  even  if   war  destroyed  everything.   This  is  a  work  of  titanic  conflict  and   fierce,  clashing   harmonies;   the  four  movements  are  continuous,   and  the  last  movement  contains  a  spectacular   battle  between  two  antiphonal  sets  of tymapni.  But  the   work  ends  in  triumph.   In  today's  violent ,  dangerous  and  unpredicatble  world,   this  is  a  very  relevant  work,  and   a   first-rate  performance  will    set  your  spine  tingling.

   The  strange  fifth   is  like  no  other  symphony.  It's in  two  movements,   and   the  composer   described  it  as  a   titanic  conflict  between  good  and  evil,  chaos  and  order.   The  climax  of  the  first  movement   is   intended  to  be  sheer  chaos;   the  snare  drummer  is   directed  to  improvise  his  part   and   bang  away  wildly  with  total  disregard  for  what  the  rest of  the  orchestra  is  doing;  but   the  orchestra  overcomes   the  drummer,  and  order  is  restored.   The  second  movement  represents   the  ultimate  triumph  of  good  over  evil,  and   ends  exultantly.

   Another  wonderful  Nielsen  work  is  the   quintet  for  flute,  oboe,  clarinet, bassoon  and  horn,  which  he  wrote  for  the  members  of   the  Copenhagen  woodwind  quintet,   whose  members  were  his  friends.  It's  a   playful,  whimsical  work,  and   Nielsen   wanted  to  portray  the  character  of each  of  the  members  of  the  quintet.   He   intended  to  write  a  concerto  for  each   instrument,  but lived  only  long  enough  to  write  the  flute  and  clarinet   works.   AS  a  horn  player,  i  can  never  forgive  Nielsen  for  not  living  long  enough  to  write  a  horn  concerto.  It  might  have  been  something  !  

   You  can  get  a  DVD  from  the  Royal  Danish  opera  of  the  delightful   comic  opera  Maskarade,  which  deals  with  shenanigans at  a    17th  century   Copenhagen  masquerade  ball.   The   exuberant overture  is  sometimes  played.

   There  are  many  fine  recordings  of  Nielsen's  orchestral  music  by  Bernstein,   and  distinguished  Scandinavian  conductors  such  as    Herbert  Blomstedt,  Paavo  Berglund,   Michael  Schonwandt,  and  other  conductors.  Check  arkivmusic.com.   Nielsen  stated  that "Music  is  the  sound  of  life".   And  no  composer's  music is  so  full  of  it.

  Western  classical  music  has  a  fairly  long  tradition  in  Latin  American  countries  such  as  Mexico,  Brazil  ,  Argentina  and   other  parts  of  this  region,  and  the  contact  between   European  and   native  musical  traditions  has   produced   some   delightful  music.  There  is  no  lack  of   orchestras  and  opera  companies  here ;  for  example,  the   world-famous  Teatro  Colon  in  Buenos  Aires  is  one  of  the  world's   greatest  opera  houses,  and  many  of  the   greatest  opera stars  and  conductors  of  the  20th  century  have  appeared  there.

   Latin  America  has  produced  such   notable  classical  musicians  as  the  pheomenally talented  young  Venuzuelan  conductor   Gustavo  Dudamel,  and  the  late conductor  Eduarto Mata  of  Mexico,  Cuban  piano  virtuoso   Horacio  Gutierrez   and   others, to  name  only  a  few,   and   some   important  composers.

   Centuries  ago,  when  Spain  colonized  the  New  World,  priests   brought   European   religious  music  with  them  and   a   musical  tradition  began.

   The  Brazilian  opera  composer  Antonio  Carlos  Gomes  (1836 - 1896 ),  settled  in  Italy  and   produced  a  number  of  successful   operas   which  were  performed   in  Italy  and  Brazil.  Giuseppe  Verdi   admired  his  best-known  opera   "Il  Guarany",  which  has  been  revived  in recent  years.  I  have  a  cd  of  a  live  performance  from  of all  places,  Bonn,  Germany,  birthplace  of  Beethoven,  with  Placido  Domingo  in  the  title  role  of  a  Guarani   Indian  chief  and  his  love  for  the  daughter  of   a  Portuguese   explorer  in  Brazil .  It's  quite  interesting  and  actually  sounds  more  Italian than   Brazilian.

   Heitor  Villa  Lobos  (1887 - 1958 ),  is  the  most  important  Brazilian  composer,  and   some  of  his  best -known  works  are  the  Bachianas  Brasileras,  which   reflect   the  composer's  love  for  Bach   and  are  an  intriguing  mix  of   antique  European  music  and  Brazilian  folk  music.  He  also wrote  orchestral  works ,  much  piano  music,  and   much  else.  

   Alberto  Ginastera (Jean-a- stera),  of  Argentina  (1916- 1983 ),  wrote  colorful  works  such  as  the  Ballet  scores  Estancia,  and  Panambi   ,  which  represent   the  life  of  Gauchos  and   South  American  Indian  legends,  and  much   else  mixing  European  and  Argenine   influences.  Osvaldo  Golijov  (1960 - )  (Go-lee-hov),  is  also  Argentine  and  currently  lives  and  teaches  in  the  USA,  and  is  one  of the  hottest   younger  composers   active  today.  He  is  of  Russian   Jewish   descent  and   writes   music  which  is  an  eclectic  mix  of  Jewish,  Latin  American   and  European  elements.  His "Pasion  Segundo  San  Marcos "  is   a   Passion  play  about  Jesus   with  plenty  of  Latin  American   local  color.   He  has  been   comissioned  to  write  an  opera , as  yet  untitled,  for  the  Metropolitan  opera. 

   Mexico  has  produced   Carlos  Chavez  ( 1899 - 1978 ),  who  was  active   not  only  as  a  composer  but  a  conductor  and  teacher.  He  did  an  enormous  amount  to   foster  the  development  of  classical  music  in  Mexico,  and  wrote  among  other  things, 7  symphonies  and  a  piano  concerto ,  also  mixing   Mexican  and  European  elements.  You  will   love  his  brief,  one  movement  "Sinfonia  India",  an  exuberant  and  colorful   work   using  Mexican  Indian   tunes  with  an  enormous   number  of percussion  instruments. 

   Silvestre  Revueltas  (1899 - 1940 )   was  a  friend  and  associate  of  Chavez  who  also  wrote   highly  colorful  music.  "El  Noche  de  Los  Mayas",  Night  of  the  Mayas,  is  a very  exciting  work  evoking  the   rituals  of  the  ancient  Mayas,  and  "Sensemaya",   evokes   the  ritual  slaying  of  a  serpent.  Revueltas  was  enormously  gifted  but  died   tragically  young  of  alcoholism.

   In   recent  years  there  has  been   a  remarkable   program  in  Venuzuela   started  by   a   visionary  musician  named  Dr.  Jose  Antonio  Abreu.  Some  years  ago,  he   began  a  program  to  teach   poor  Venuzuelan  youngsters   musical  instruments  and  introduce  them  to  classical  music,  and  eventually,  a  large  number  of   youth  orchestras  were  formed.  The  project   has  achieved  phenomenal  success,  and  the  flagship  orchestra,  the  Simon   Bolivar   Youth  orchestra  is  a  world-class  orchestra  which  has   made   internationally  acclaimed  tours,  appearing in   Carnegie  hall  and  other  prestigious  locations   and  making   recordings  for  the  prestigious  Deutsch  Grammophon  records. 

   Thousands  of   desperately  poor  young  Venuzuelans  who  would   have   been  doomed  to  lives  of  squalor ,  drugs  and  crime  have   been  given  a  chance  at  a  better  life,  and  the  most  famous  product  of   "El  Sistema",   young  Gustavo  Dudamel  (1981 -)  is  now  an  internationally  acclaimed  conductor  and  will   soon  become  music  director  of   one  of  America's  top  orchestras,  the  Los  Angeles  Philharmonic.  You  should  get   the  acclaimed  cd  of  Latin  American  music   with  Dudamel  and  the  Simon  Bolivar  Youth  orchestra  on  Deutsche  Grammophon.  A  young   Venuzuelan  double  bass  player   is  currently  a  member   of  the   Berlin  Philharmonic,  considered  the  world's  greatest  orchestra  by  many.  The  DG  cd  is  called  "Fiesta",  and  can  easily  be   obtained  at   arkivmusic.com. 

   Tempo  is  a  very  important  and  often  controversial  element in  classical  music.  Tempo  is  simply  the  Italian  word  for  time,  and  refers  to  the  basic  rate  of  speed  or  slowness  in  a  piece  of  music.  The  plural  is  Tempi. 

  For   centurires,  composers  have   indicated  the  basic  speeds  they  wanted  in  any  given  piece  of  music,  and  the  most  commonly  and  universally  used  terms  have   been   Italian,  although   German ,  French,  English  and  American  composers  have  sometimes  used   their  own  languages  for  these   indications,  such  as  Debussy  and  Ravel,  who   used  French  equivalents  of  Italian  terminology.  Along  with  the  indications  for   rates  of  speed,  composers  often  added   further  Italian  ,  French   or  German   indications  for  the   expressive  character  they  want  the  music  to  convey. 

   If  you  compare  different  recordings  and  live  performances,  you  will  notice  that  different  musicians   often  use  markedly  different  tempi ;  slow  and  fast  are  relative  terms,  and  there  are  many  degrees  of  slowness  and  speed.  If  you  compare  the   timings  of  a  lengthy  symphony  on  different  recordings,  one  may  be  up  to  ten  or  more  minutes  longer   than  another.

   Tempo   has  caused  a  great  deal  of  controversy  of  the  years ;  different  scholars and  experts  argue   endlessly  over  what  the  right  and  wrong  tempi  are  for   the  music  of  composer  X  or  Y,  or  for  the  music  of   one  period  or  another.  So do  fans.  Critics  will   often   lambaste  a  particular  musician,   a  conductor  or pianist  etc,  for  tempi  that  seem  to  him  or  her  too  fast  or  too  slow.  It's  all  highly  subjective.  Composers  have  also  been  upset  by  musicians  who  use   tempi   they  consider  wrong.  

   In  the  early  19th  century,  Austrian  inventor  Johann  Nepomuk  Maelzel   invented  the  metronome,  a  device  by  which  composers  could   indicate  the  precise  temi  they  wanted,  by  indicating   x   beats  per  minute.  60,  80, 100  etc.   This  was  not  meant  to   cause   regidity  of  tempo,  but  basic  rates  of  speed ;  performers  were  expected  to   use  Rubato,  or  spontaneous   modifications  of  temp  for  expressive  reasons.  Later,  metronomes  were  used   to  keep   practicing  students  from  dragging  or  rushing. 

   The  first  great  composer  to  use  metronome  markings  was  Beethoven,  and  in  our   time  many   musicologists  and  critics  have  used  these  markings  as  an  excuse  to   blast  musicians  for  not  following  them.  But  the  problem  is  that   composers  change  their  minds,  and   have  been   known  to  disregard  their  own  metronome  markings  when  conducting  or  playing   their  music  at  later  dates.  Igor  Stravinsky ( 1882 - 1971 ),  was  a  stickler  for   performers  observing  his  markings. 

   Italian  tempo   indications  range  from  Presto -  very  fast,  or  Prestissimo,  REALLY  fast,  Vivace,  or  lively,  Allegro,  or  moderately  fast,  Andante,  lierally  going,  or  neither  fast  nor  slow,  and  slow  tempi  such  as  Adagio,  Lento  and  Grave (grah-veh ).  Moderato, or  moderate.  Larghissimo,  or  very  slow  etc.  There  are other  relative  terms  such  as  allegretto,  Andantino,  Allegro  Vivace, etc.

   There  are  other  terms for  altering  the  tempo,  making  it  gradually  faster  or  slower,  Accelerando,  or  Ritardando,   Ritenuto  or  suddenly  slower,  Piu  Moto,  or   just  go  faster etc.  Allargando  does  not  mean  to  play  in  a  reptilian  manner  but  to  gradually  broaden  the  tempo. 

  There  are  other  indications  such  as  Allegro  non  Troppo,  or  not  too  fast,  Assai,  or  very,  Molto,  or very  much,  Poco,  or  a  little,  Subito,  or  suddenly,  Meno  Mosso,  or  just  slower,  Con,  or  with, as  in  Con  Fuoco  (with  fire, an  expressive  indication ),   Senza, or  without,  Quasi,  or  as  if,   Poco a  Poco,  or  little  by  little,  A  Temp,  or  return  to  the   previous  tempo,  etc.

   Expressive  markings  are  often  added  to   terms  such  as  Andante,  Allegro  etc.  Tranquillo,  or  tranquilly,  Agitato  or  agitated,   Dolce,  or  sweetly,  (Dol- cheh ),  Giocoso,  or  merrily,  Misterioso,  Con Brio,  Cantabile  , in a  singing  manner,  etc.  Beethoven,  Wagner,  Richard  Strauss, Paul  Hindemith   and  other  German  and  Austrian  composers   often  used  their  own  language,  using  terms  such  as   Langsam, or slow,  Lebhaft, or  lively,  Rasch  or  fast   etc. 

   One  problem  with  recordings  is  that  if you  get  familiar  with  a  particular  recording  of  a  Beethoven,  Brahms  or  Tchaikovsky  symphony  etc, you  will  get  accustomed  to  the  tempi  of  that  particular   performance,  and  when  you  hear  other   recordings,  the  tempi  may  seem  wrong  to  you.  But  I've  found  that   if  you  continue  to  listen  to  other  performances,  you  can  get  accustomed. 

   Fan  X  may  argue  with  Fan  Y  that   conductor   X's  tempi  are  wrong  and  conductor  Y's  are  right,  but   who  knows  what  the  composer  would  have  wanted ?   We have  recordings  of  great  composers  such  as  Stravinsky,  Richard  Strauss,   Paul  Hindemith, Aaron  Copland,  Benjamin  Britten  and  others   conducting  their  own  music,  but  even   the  composers  might agree  that  their  way  is  not  the  only  one.   In  cases  where  a  composer  made  more  than  one  recording  of  the same  work,  the  tempi  may  be different !    

  Musicology  is   the  scholarly  study  of  music ;  as  academic  disciplines  go,  it's   a  fairly  recent   field  of  study,  having  its  origin  in  19th  century  Germany.  What  are  musicologists,  and  what  do  they  do ?   Basically,  they  are  scholars  engaged  in  the  scientific  study  of  music,  whether  western  classical   or   of   non-western  music.  The  study  of  non-western  music  is  known  as  Ethnomusicology.  Ethnomusicologists  study  the  music  of   China,  India,  Iran,  and  other  countries,  and   folk  music  around  the  world.

  Historical  musicology  deals  with  the  history  of   western  classical  music,  different  composers  and  their  lives,  the  development  of  music  over  the  centuries,  musical  instruments, research  of   many  kinds. Music  theory  deals  with  the  technical  analysis   of  music  ;  harmony, counterpoint,  how  composers  construct  their  music.  If  you  read  the  kinds  of  analysis  that  music  theorists  write,  it's  as  densely  technical  as  anything  in  Science and  mathematics !

  Different  musicologists  have  different  areas  of   specialization ;  some  study  the  ancient  music  of  the  middle  ages  and  renaissance,  and  do  research  in  trying to  determine how  it  should  be  performed,  since  information  on  that  is  very  sketchy.   Performance  practice  is  the  field   of   research  into  how  music  was  performed  in  the  past,  and   involves   the  revival  and  use  of  old  instruments,  which  are  quite  different  from  those  of  today.  There  is much  controversy  over  this. 

  Other  musicologists  may  specialize  in  the  music  of  the  time  of  Bach  and  Handel  etc,  or  Baroque  music,  or  Haydn  and  Mozart  (Classical  Period ),  or  19th  or  20th  century  music.  Many  musicologists have  discovered  long  lost  works  from  the  past   by  composers   well-known  and  obscure,  sometimes  finding  them  in  monastaries  or  archives.  

   Many  musicologists   teach  at  music  schools,  or   universities,  and   study  musicology   on  the  graduate  level,  usually  obtaining  PHDs.  They   publish  articles  in  scholarly  journals  and  write  books   on  different  composers  and  biographies.  It's  definitely a  "Publish  or  Perish"  field. 

  Among  today's  leading  musicologists  are   Richard  Taruskin,  one  of  the  foremost   authorities  on  Russian  music  and   composers  such  as  Stravinsky.  He  has  written  a   monumental   multi-volume  history  of  music  which  came  out  a  few  years  ago,  and  frequently  writes  articles  for  the  New  York  Times  that  are  always  very  interesting,  and  currently  teaches  music  history   at   the  University  of  California  at  Berkely.  Anything  he writes  is  well-worth  reading.

   H.C. Robbins  Landon   is  considered  the  foremost  authority   on the  music  of  Joseph  Haydn,  and  has  written  a   biography  in  several  volumes.  Lewis  Lockwood  of  Harvard  is one  of  the  foremost  experts  on  Beethoven.  Joseph  Kerman,  professor  emeritus  at  Harvard,  is  an  expert  on  opera.

   Musicologists  often  examine  composer's   manuscripts  and  sketches  to   find   information  about  them,  determine  if  works are  authentic   creations  of   a  composer or  not,  and   help   the  music  printing  industry  by   correcting  errors  that  have  crept  in  to   the  printed  versions.  This is  a   kind  of  detective  work,  and  is  quite  fascinating.   Different  ones  often  disagree   vehemently  with  each  other  on  details  and  issues,  and  sparks  can  fly  in  their  corespondence.

   Musicology  is  not  necessarily  dry as  dust   pedantry ;  it's  a  field  of  endless  fascination.

   It's  difficult  to  know  what   to  make   of  the   controversial   Avant-Garde  German  composer   Karlheinz  Stockhausen  (1928 - 2007 .)   Was  he  a  visionary  genius,  or  was  he  a   charlatan  and  a  madman ?   He  certainly  was  an  original,  to  say  the  least.  To  call  him  an  eccentric  is  an  understatement.

   He  was  born  near  Cologne, Germany  in  the  Rhineland  in  1928,  and  was  orphaned   during   WW2.  He  was  something  of  a  New  Age  mystic,  and  made  all  manner  of  strange  pronunciations   about  music, aesthetics ,  philosophy,  religion  and  cosmology,  and   became  one  of  the  most  influential  figures  in  20th  century   Avant- Garde  music,  and   taught  many   contemporary  composers  after  having  studied  with  figures  such  as   French   mystic  and  amateur  ornithologist  Olivier  Messiaen,  whom  I  covered  in  a  post  some  time  ago.

   He  became  involved  with  all  the  trendy   contemporary  musical   movements,  serialism,  electronic  music,  and  aleatory  music,  or   music  based   on  chance procedures   giving  the  performer   plenty  of  room  to  make  up  the  music  on  the  spot.  Stocdkhausen  appeared  everywhere,  lecturing,  teaching,  and  wrote  extensively  on   music  theory  and  aesthetics.  He  was interested  in  the  spatial  element  in  music,  and  wrote  works  for  different  groups  of  musicians   separated  by  space.  He  had  his  own  experimental  studios  in  Cologne  and  elsewhere.

   What  can  you  say  of  a  composer  who  wrote  a  string  quartet  in  which  each  of  the  four  players  is  supposed  to  be  in  a   separate  helicopter ?  Or  who  wrote  a  mammoth  series  of   7  interconnected   operas   called  "Licht"  (Light),  each  named  after  one of  the  days  of  the  week,  featuring  Lucifer  and   the   angel  Michael,  for  massive  forces  including  electronic  instruments ?   Or  Carre,  featuring  four  different  antiphonal  orchestras?   Or  who  abandoned  regular  notation  and   developed  his  own   elaborate  system  of   graphic  notation  with   complex   instructions  on  how  to  perform the  music?   (Other  contemporary  composers  have  done  this  also ).

   His  output  was  extensive,  and  he  achieved  international   fame,  and  even  the  Beatles  took  an  interest  in  him  in  the   ultra-trendy  60s !    Not  every  one   accepted  his  music.   The   legendary  English  conductor  Sir  Thomas  Beecham  (1879 - 1961 ),  known  for  his  brilliantly  sarcastic  wit,  was  once  asked  if  he  had   ever   conducted  anything  by  this  composer.  He  replied, "No,   but  I've  trodden  on  some ."

   Late  in  life,  his  spaced-out   attitudes  caused  considerable  controversy.  When  he  heard  of   the  horrendous  terrorist  attacks   of  9/11,  he  declared  that  it  was  the"  Greatest  work  of  art  in  the  cosmos.  Compared  to  that,  we  composers  are  nothing."   There  was  international  outrage,  and  some  scheduled  performances  of  his  works  were  canceled.  But  he  claimed  that  his   comments  were  taken out  of  context,  and  that  it   was "The  work  of  Lucifer."

   I  must  confess  that  I  don't  know  Stockhausen's  music  as  well  as  I  would  like  to,  but   the  man  certainly  is  fascinating.  Try  it  yourself,  and   make  up  your  own  mind.  But  be  warned -  you  may  be  completely  baffled.  Check  arkivmusic.com  for  recordings,  and  there is  plenty  of  information  about  him  on  the  internet.

   We  say  about  different  musicians   and  others   that  they  "have  a  good  or   terrific ear",   or  sometimes  that  a  person  has  a   "lousy"  ear,   and  some  unfortunate  individuals  are  said  to  be  tone  deaf,  that  is,  unable  to  hear  any  distinctions  of  musical  pitch.

   For  musicians,  a  good  ear  is  very  important,  for  conductors,  absolutely  essential.  To  put  it  in  an  over  simple  way,  musical  tones  consist  of  vibrations  per  second.  The   more  vibrations  per  second,  the  higher  the  pitch,  and  vice  versa.  Each  C  or  D  etc  when  it  sounds  an  octave  higher   is  double  the  number  of  vibrations.  A  tuning  fork    sets  the  A   above  middle  C  on  the  piano  at   440  vibrations  per  second.  The  A an  octave  below  is  220,  and  so  forth. 

   Some  people  have  better  sense  of  pitch  than  others.  They  can  tell  if  something  is  obviously  out  of  tune ;  others   lack  this  ability,  or   have  it  to  a  lesser  degree.  Those  with  absolute  pitch,  also  called  perfect  pitch,  can  identify  any  note  as  A,B,B Flat,  C,  E,  etc,  if  you  ,  say,  play  it  on a  piano  at  random.   I  happen  to  have  this  ability.  Not  all  musicians  do,  and  it's  not  essential   to  be  a  fine  musician,  but  it  helps  often,  and  it  can  also  cause  problems.  Others  have  what  is  called  relative  pitch,  that  is,  they  may  not  be  able  to  automatically  hear  what  a  pitch  is,  but  they  can   relate  other pitches  to  a  note  if  they  know  what  it  is. 

   Some  of  the  great  composers  have  had  absolute  pitch,  such   as  Mozart,  but  others  have  not,  such  as  Stravinsky.  It   doesn't  really   matter   in  the  long  run for  a  composer;  a  lot  of  great  music  has  been  written  by  composers   who  lacked  absolute  pitch. 

  But  pitch  is  not  a  constant  thing ;  it  has  varied   over  the  centuries,  from  time  and  place.  In  general,  around  the  time  of  Bach,  Handel, Haydn,  Mozart  and  Beethoven,  a  lower  pitvh  than  A  440  was  used,  about   a  half tone  lower,  but   it  varied  a  great  deal.  Orchestras  and  solo  instrumentntalists  who  use   the  pld,  or  period  instruments  tune  to  a  lower  pitch.  This  means  that  to  some  like  me,  when  I  hear  a  performance  of  a  symphony   by  Mozart   in  the  key  of  C  major,  it  sounds  like  B  major.  This  is  why  hearing  these  attempts  to   recreate  the   performance  styles   of  the  past  can  be  doisconcerting  (no  pun  intended )  at  times.  But  I've  found  that  my  ear  can  adjust.

    When I  was  studying  music  in  college,  I  had  to  take  what  is  known  as  "Ear  Training  "  courses.  We  would  have  to  sing  melodies  using  solfeggio,  or  solfege  in  French.  We used  do, re  mi  etc   to  sing.  It's  important  training.  But  it  gave  me  difficulties  because  of  my  absolute  pitch.  I   had  no  trouble  singing  the  melodies  per  se,  but  it  confused  me  in  trying  to  remember  the  do  re  mi's  etc.  It  was  more  comfortable  just  to  sing  the  pitches.  But  those  without   absolute  pitch  need  the  solfege  syllables.  

  Our  brains  are  all  wired  differently ;  we  don't  hear  musical  pitch  in  the  same  way. At  rehearsals   I  attended   as  a  horn  player,  conductors   would  correct  intonation  to   try  to  make  everthing  in  tune,  sometimes  another  musician  would  tell  me  or  others  that  we   were  too  "sharp"  or  slightly  above  the  note  in  pitch,  or "flat",  that  is  slightly  below.  Sometimes,  musicians  get  into  arguments  over  pitch,  and  resentment  is  caused.  Some  musicians  take  a  small  portable  device  which  measures   sharpness  or  flatness  and  shows  variations  in  pitch.  We  musicians  can't  always  tell  how  accurate  our   pitch  is,  even if  we  have first-rate  ears.  It's  very  relative ;  you  may  seem  in  or  out  of  tune   compared  to  others  playing  at  the  same  time.

   Sometimes  I  have  read  reviews  of  live  concerts  or  commercial  recordings  where  the  critic  complaied  of  faulty  intonation,  yet  I  did  not  notice  any.  Other  times,  I  have  heard   what  sounded  to  me  like  faulty  intonation   art  a  concert  or  on  a  recording,  and   the  reviewers   did  not  find  anything  wrong.

   Occaisionally,  in   complex  atonal  or  twelve  tone  music  that  I  have  heard,  my  sense  of  pitch  goes  temporarily  astray  and  I  lose  my   sense  of  pitch  temporarily  and  get  confused.

   But  classical  music  always  sounds  best  when  it's  in  tune. 

   As  I've  pointed  out  in  an  earlier  post,  there  are  definite  similarities  in  the  orchestral  world  to  politics,  as  well  as  differences.  In  orchestras,  there  are  no  term  limits,  except  for  some  European  orchestras  which  have  a  mandatory  retirement  age  for  orchestra  musicians  at  65.  The  great  clarinettist  Stanley  Drucker  is  retiring   at  near  80  from  the  New  York  Philharmonic  after  nearly  60  years  as   principal  clarinettist !

   Music  directors  generally   sign  on  with  orchestras  with  contract  stipulations  of   X  number  of  years,  with  the   option  to   continue  for  X  amount  of  time  after.  Some  famous  conductors  of  the  past,  such   as  Eugene  Ormandy  with  the  Philadelphia  orchestra,  Willem  Mengelberg  with  the  Amsterdam  Concertgebouw,  and  Yevgeny  Mravinsky  with  the  Leningrad  Philharmonic  have   spent   over  30  years  with   orchestras,  but  most  music directorships   are  and have  been  shorter.  The  conductor  decides  when  to  step  down,  but  at  times  there  has  been  pressure  to  do  so  from  critics  and  administration.

   Famous  conductors   inspire   a  great  deal  of  controversy,  like  presidents  and  other  politicians.  Sometimes  a   critic  at   a  local  newspaper  will   admire  the  conducting  of  that  orchestra's  music  director,   and  tend  to  give  positive  reviews,  and   praise  him  or  her  in  articles.  In  other  cases,  the  critic  will  be  hostile,  and   constantly  blast  the  music  director's   interpretations  and  programming  choices.  Sometimes  the   critic's  reactions will  be  mixed,  and  critics   are  not  always  fair  and  balanced.

   Recently,  Cleveland  Plain  Dealer  critic  Donald   Rosenberg  was  relieved   of  reviewing  concerts  by  the  current   maestro  in  charge  of  the  presitigious  Cleveland  orchestra   because  of  his  persistant   negative  reviews,  something   unprecedented.  This   was  a  decision  of  the  paper's  management. Rosenberg  will  cover  other  musical   and  non-classical  events  in  Cleveland,  and  another  critic  has  taken  his  place.   Rosenberg  is  an  experienced,  knowledgable  and   respected  music  critic,   and  he  did  give   Franz  Welser- Most  some  favorable  reviews,  as  I  mentioned  in  an  earlier  post  covering  this  brouhaha.

   And  on   classical  music  forums,   different   fans  have  their   likes  and dislikes  among  conductors,  and   often   blast  those  they  dislike   the  way  that   people  do   today,  as  well  as  commentators.  When   an  orchestra  announces   a  new  music  director,   forum  participants   voice  their  approval  or  disapproval  in  no  uncertain  terms. And  many  think  that   the  great  maestros  of  the  past  were  far  greater  than  those  of  today,  the  way  many  people  think  that  politicians  today  are  vastly  inferior  to   the "Great  Statemen"  of  the  past. 

   So  do  critics.  Some  are  happy  to  see   so  and  so   engaged  for  the   great  orchestras  of  New  York,  Boston,  Philadelphia,  Cleveland,  Chicago  etc,  and  others  frankly  upset  or  even  angry.  I've  noticed  this  trend ;  if  a  critic  admired  the   previous  music  director,  and   dislikes  the  present  one,  he  or  she  will  tend  to  claim  that  the  orchestra's  playing   has  declined  or  slipped  in  quality,  and  long  for  the  old  conductor.  And  if  he  or  she  dislikes  the  previous  one  and  likes   current  one,   there  will  be   relieved  claims  that  the   current  maestro   has  greatly  improved   the  playing.,   "rejuvinated "   it.   

   Years  ago,  a  distinguished  conductor   got   a  truly  shabby  treatment  at  the  hands  of   many  New  York  critics  during  his  time  with  the  New  York  Philharmonic.  He  was  accused  of  being  a  shallow  glamor  boy, a  lightweight  with  no  musical  substance,  and  of   lacking  commitment  to  new  music  and  neglecting  it.  Some  claimed  that  he  had  run  the  orchestra  into  the ground,  and  that  playing  standards  had  declined   badly. 

   When  his  successor  took  over,  critics  praised  him  for  his  artistic "seriousness"  and  integrity,  and  claimed that  he  had  restored  discipline   and  morale  to  the  orchestra.  The only  problem   was  that  this  was  a  pack  of  lies.  The  previous  conductor   was  and  is  a  serious,  dedicated  and  highly  skillful  conductor   who  had  already  conducted  the  world's  leading  orchestras  and  opera  companies  with  great  success,  and  was  in  fact  a  staunch  champion  of  contemporary  music  who   had  regularly   played   it  in  New  York. From  my  own  experiences  listening,  I  thought  the  orchestra   actually  played  very well   for  him.   Does  this  kind  of  smear  campaign  sound   familiar  to  you  from politics  today ?  

   Now  that  I've  explained  something  about   what  conductors  do,  I  thought   you  might  be  interested  to  hear  something  about  what  actually  goes  on   at  rehearsals.  I  think  I  know  a  thing  or  two  about this,  having  spent  thousands  of  hours  in  rehearsals  myself  as  a   performing  musician.

   The  conductor  is   much  more  than  just  a  time  beater.  Keeping  the  orchestra  together  is  an important  part  of  the  job,  but   there  are  countless  other   details   which  need  to  be   taken  care  of.  I  covered  what   conductors  do  in  an  earlier  post,  but  here  is   a  description  of   what  actually  happens  in   rehearsal. 

   Each  musician  is  responsible  for  his  or her  individual  part,  but  the  conductor  has  to  make   a   thorough  study  of  the  full  score,  which   shows  all  the  different  parts  together,  with  woodwinds  at the  top,  then  brass,  percussion,  and  strings  at  the  bottom.  Works  for  large  orchestras  can  have  30  or  more  lines  going  on  at  the  same  time !   And  the conductor  has  to  have  studied   it   thoroughly,  or  else  he  or  she  has  no  business   conducting  in  the  first  place  !  

   Some  famous conductors,  such  as  Toscanini  and   the  Greek  Dimitri  Mitropoulos,  had  amazing  photographic  memories,  and  could  look  at  a  score,  memorize  the  whole  thing,  and  point  out  any  mistake  at  rehearsals  on  the  part  of  musicians !

   The  conductor  is  there  to  co-ordinate  everything,  rather  like  the  director   of  a  movie.  He  or  she  will  start  a  rehearsal  ,  which  is  usually  planned   so  that  each  musician  knows  which  work  on  the  program  is  being  rehearsed,  in  case   he  or  she  is  not  playing  that  piece  on  a  particular  program.  Not  every  musician  is  needed  for  every  piece.

   At  the  first  rehearsal,  some  conductors  will  just  run  through  a  work  without  stopping,  unless   something  goes  wrong  and   things  just  break  down.  Then,  he  or  she  will   go  over  different  sections,  pointing  out  mistakes,  fixing  problems  with  intonation,  or  playing  in  tune  (very  important),  adjusting  balances,  that  is  making  sure  that   instrumental lines  can  be  heard  clearly,  and  that  the  brass  are  not  too  loud,  which   can  be  a  serious  problem.

   Like  a  movie  director,  a  conductor  will  often   explain  how   he  or  she  would  like  the  music  to  be  played  in  terms  of   expressive  character   and  phrasing,  and  tone  quality,  to  get  the  precise   effect  he  or  she  would  like.  Musicians  don't   generally  like  the  conductor  to  hem  and haw,  using  flowery  language  such  as  "Play  it  like  the  sun  coming  up  at  dawn !".  However,  they  do  appreciate  pithy  language  and  humor.   And   they  hate  conductors  who  just  keep   talking  and  talking ,  thereby  wasting  time.

   There  are  so  many  details.  The   concertmaster,  or  principal  violin,  and  the  section  leaders  of  the  other  string  sections,  decide   how   the  sections  should  bow,  up  or  down,  for  uniform   bowing,  and  other  details  of  string  playing,  but  the  conductor,  particularly if  he  or  she  is  a  string  player,  may  ask  for  changes  during  rehearsal,  if   the  bowings are  not  quite  right  to  him  or  her.

   The  musicians  will  sometimes  ask  the  conductor   to   give  a  clearer  beat  in  certain   spots  of  a  piece   to  help   in  clarity.  The  conductor  will   often  give  cues  for  musicians  to  come   in   at  sertain   areas,   such  as  solos,  as   the  music  can  be  rhthmically  complex   and  knowing  exactly  when  to  come  in  can  be  difficult.  The  conductor  often  has  to give  gestures   showing  when   exactly  when  the  musicians  should   cut  off  and   stop  playing  after  entrances.

   Professional  orchestral  musicians  have  been  known  to  be  very  naughty  at  times.  When  a  conductor   is  new  to  the  orchestra,  they  have  been  known  to  make  deliberate  mistakes,  such  as  wrong  notes  and   playing  out  of  tune  on  purpose,  just to  test  the   conductor's   abilities  !  This  is  something  like  the  way   kids  in  school  will  tease  a  substitute  teacher.

   Conductors  who  don't  beat time  clearly   and  have  a  solid  technique   make  life  very  difficult  for  orchestras.  But  certain  famous   maestros  such   Russian  Serge  Koussevitzky  and  German  Wilhelm  Furtwangler,  were  able   to  make  illustrious  careers  through  sheer   willpower  and  force  of  personality   despite   deficient   baton  techniques. 

   So  basically,  what   musicians  in  an  orchestra  want  is  a  conductor  who  really  knows  the  score,  has  a   solid &