The Horn

Contact Me

Receive Email Updates

June 2009 - Posts

On Hiatus For The Next Two Weeks

  Due  to  a  complex  series  of  circumstances  beyond  my  control,  I  will  have  to  suspend  my  blog  for  the  next  two  weeks,  as  I  will  not  have  intenet  access .  It's  a  long  story,  but  I  will  be  back  in a  couple  of  weeks . In  the  mean  time,  please  take  advantage  of  any  opportunity  you  may  have  to  listen  to  classical  music   if  you're  new  to  it,  either  on  CDs,  DVDs,  radio,  the  internet,  or  live  if  possible.  Enjoy !  You'll  never  regret  making  classical  music  a  part  of  your  life !

 

Posted: Jun 10 2009, 04:44 PM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
More On Tonality And Atonality

  I  hope  you've gotten  a  clear idea  of  what  tonality  is  from my  last  post,  and  here's  more  on  this  important  area  of  music.  The  system  of  major  and  minor  keys  became  established  by  around  the  17th  century, and  has  been  the  norm  ever  since,  but  other  scales,  or  arrangements  of  the  tones  C  to  C  existed  before  this,  and  were  still  used  at  times  after . 

  These  are  called  modes,  and  their  names  are  of  Greek  origin.  A  scale  is  an  arrrangement  of  notes  C-C  with  different  possible  intervals  between  the  notes;  intervals  are  the  distance  between  two  notes.  Intervals  can  be  seconds,  that  is  either  C  to  C  sharp  or  C  to  D,  thirds,  C  to  E  or  E  flat,  fourths,  C  to  F  or  F  sharp,  fifths,  C  to  G,  sixths ,  C  to  A  or  A flat,  sevenths ,  C  to  B  flat  or  B,  or  octaveves,  C  to  C. 

  The  intervals  may  be  major  or minor ,  C  to  E  is  a  major  third,  C  to  E  flat is  a  minor  third,  perfect,  C  to  F  or  C  to  G,  diminished,  C  to  G  flat,  or  augmented,  C  to  F  sharp(the  so-called  tritone,or  devil  in  music.)

  The  Greek  modes  use  different  arrangements  of  intervals  from  the  major  or  minor  modes.  They  are  Dorian,  Ionian,  and  Lydian  etc.  But  for  most  music  we  know  today,  major  and  minor  are  the  norm.

  As  I  mentioned  in  my  last  post,  in  the  late  19th  and  early  20th  century,  composers  started  writing  music  in  which  the  sense  of  key,  or  tonality  became  vaguer  and was  weakened,  such  as  Claude  Debissy  and  the  eccentric  Russian  Alexander  Scriabin  (1872 -1915). The  Austrian  Arnold  Schoenberg  (1874 -1951)  took  the  leap  into  atonality,  where  all  sense  of  key  has  disappeared,  and  there  is  no  tonal  center  in  the  early  20th  century,  and  many  other  composers  followed  him,  in  their  own  way.

  In  order  to  prevent  this  music  from  being  chaotic,  Schoenberg  invented  a  new  system  of  writing  music  after  some  years  of  experimentation  with  atonality .  This  is  the  12  tone  system .  Here,  a  composer  takes  the  12  tones  of  the  chromatic  scale,  C  to  C,  and  arranges  them  into  an  order,  1-12.  This  is  the  basic  tone  row. 

  Now,  all  12  tones  of  the  scale  are  equal ;  there  is  no  center.  The  system  is  very  complex,  but  I'll try  to  explain  it in  a  nutshell.  The  row  can  be  manipulated  in  numerous  ways ;  theoretically,  none  of  the  12  tones  must  be  repeated  before  all  are  heard,  or  some  sense  of  a  key  center  will  remain. 

  The  row  can  be  be  put  into  retrograde,  or  reverse.  It  can  also  be  put into  an  inversion,  or  a  revearsal  of  the  intervals  of  the  original  row.  if  a  note  goes  up  in  one  direction,  such  as  C  to  F,  it  must  go  down  in  the  same  direction  an  interval.  The  retrograde can  also  be  inverted,  creating  the  retrograde  inversion.

  Then,  the  row  can  be  transposed  to  any  of  the  degrees  of  the  scale. If  the  first  note  of  the  row  is  E,  the  same  arrangement  of  intervals  can  be  made  starting  with  any  of  the  notes  of  the  chromatic  scale .  This  is  similar to  the  way  the  notes  of  any  melody  can  be  arranged  to  be  in  any  key .

  So  there  are  an  enormous  number  of  permutations  of  the  12  tone  row .  The  number  of  possible  chords  is  greatly  increased.  Schoenberg's  pupil Anton  Webern  (1883 - 1945 )  adapted  this  system  but  did  so in  his  own  way,  creating  a  distinctive  style of  his  own.

  Later,  other  composers  such  as  the  Frenchman  Pierre  Boulez (1925 -)  also  a  famous  conductor,  created  something  called "Total  Serialism ".  Here,  not  only  the  tones  of  the  scale  are  strictly  organized,  but  other  elements  such  as  dynamics(loudness and  softness)  and  rhythm etc  are  serialized  in  an  extremely  complex  way.  This  resulted in  extremely  esoteric  works  which  still  baffle  many  music  lovers.

   However,  other  composers,  such  as  the  German  Paul  Hindemith  (1895 - 1963 )  rejected  the  whole  twelve-tone  system  and  continued  to  use  tonality, albeit  without  mere slavish  imitation of  the  past.  There  are  also  methods  of  writing  in  two  keys  at  the  same  time (Bi-tonality),  or  several  (Polytonality)  which  some  composers  used,  such  as  Stravinsky  and  the  Frenchman  Darius  Milhaud.

  Today,  there  is  absolutely  no  concensus  on  the  right  way  to  compose ;  some  composers  such  as  Boulez  dogmatically  insist  that  the  only  valid  method  is  his  serialism,  and others  still  reject atonality.  Other  composers,  such  as  the  maverick  Californian  Harry  Partch (1901 - 1974 ), rejected  the  whole  western  system  and  wrote  music  dividing  the  scale  beyind  12  tones.

  Partch  was  the  Guru  of  microtonal  music,  which  uses  more  than  the  simple  12  tones  familiar to  most  listeners.  Partch  even  created  his own  fanciful  and  exotic  instuments,  and  invented  a  43  tone  scale !   His  music  cannot  be  performed  on  the  standard  instruments  at  all.  and  his  disciples  have  preserved  the  strange  invented  instruments . You  can  hear  this  strange  music on  CD.  Classical  music  is  a  very  diverse  thing !

 

 

Posted: Jun 09 2009, 08:15 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Tonality - An Important Concept In Music

  If you  attend  orchestral  concerts  or  read  the liner  notes  to  classical  CDs,  you  will  probably  notice  that  symphonies  or  concertos  etc,  are  described  as  being"in  the  key  of  C  major,  or  C  minor,  D  major,  D  minor  etc."  Just  what  does  this  mean ? 

  Basically,  in  western  music  at  least,  there  are  exactly  twelve  notes  from  C  to  C. C,  C  sharp  or  D  flat,  the  same  pitches,  D, D  sharp  or  E  flat ,  E,  E  sharp, the  same  pitch  as  F,  F  sharp,  the  same  as  G  flat,  G,  G  sharp, or  A  flat,  A, A  sharp  or  B  flat,  B ,  B  sharp ,  the  same  as  C. 

  Of  course,  there  are  pitches  between  these  12  notes,  but  they  are  not  commonly  used .  Of  course,  they  are not  uncommon  in  the  musics  of  exotic  lands.  A  pitch  halfway  between  C  and  C sharp  is  called  a  quarter  tone,  and  even  smaller  intervals  are  possible.

  But  basically,  any  piece  of  music,  classical  or otherwise,  you  are  familiar  with,  uses  one  of  the  12  tones  between  C  and  C  as  its  home  pitch.  Any  melody  or  piece  of  music  will  tend  to  be  in  a  key,  and  use  any  one  of  the  12  tones  as  the  home  note.  And  that  melody,  if  it  starts  on  the  note  C,  can  be  transposed  to  any  of  the  other  11  pitches.

  In  western  music,  we  have  the  system  of  major  and  minor  keys, C  major,  C  minor  and  so  forth,  coming  from  a  different  arrangement  of  the  intervals  between  the  notes.  C  major  uses  simply  the  notes  C,D, E, F, G, E B, C.  The  minor  kery  uses  a  different  arrangement,  or  arrangement  of  the  notes.  C, D, E  flat,  F, G, etc.  The  minor  keys  introduce  what  are  called Chromatic  notes  of  the  scale,  that  is  E  flat,  A  flat,  etc.  The  diatonic  cotes  are  C,D,E, F, G, A ,G,  and  the  chromatic  tones  are  C  sharp,  or  D  flat,  E  flat  or  D  sharp,  F  sharp  or  G  flat,  G  sharp  or  A   flat,  B  flat  or  a  sharp. 

  The  term  chromatic  come  from  Greek  Chromos  and  means  "color"  as  in  Chromosomes, because  it's  said  that  these  notes  add"color"  to  the  music,  that  is making  it  less  bland  the  just  the  diatonic  scale.  So  we  have  a  system  of  major  and  minor  keys  based  on  any  of  the  notes  of  the  scale.

  Johan Sebastian  Bach  wrote  a  famous  series  of  preludes  and  fugues  in  all  the  major  and  minor  keys  called  "The  Well-Tempered  Clavier",  which  can  be  played  either  on  harpsichord  or  modern  piano .  Chords  can  be  built  on  any  of  these  tones,  for  example,  C,  E    and  G,  making your  basic  C  major  chord  with  which  any  work  in  C  major  will  begin  and  end  with.  The  minor  chord  uses  C,  E  flat,  and  G ,  which  will  typically  be  used  to  begin  and  end  a  piece  in  C  minor. 

  The  note  C is  the  the  home  note,  the  most  important  tone  in  the  key  of  C  major.  Of  course,  in  just  about  any  piece  of  classical  music, symphony,  concerto  or  whatever,  there  will  be  key  changes,  or  the  piece  will  sound  awfully  monoitonous.  These  key  changes  are  known  as  Modulations ..  But  the  piece  will  always  return  to  the  home  key.  Theoreticaslly,  a  piece  can  modultate  to  any  other  key.  But  you  always  return  to  the  home  pitches  of  C,E,  and  G.  It's  rather  like  gravity. 

  Certain  keys  are  closer  to the  home  key  than  others ;  G  major is  much  closer  than  F  sharp  major,  for  example.  In  the  time  of  Mozart  and  Haydn,  the  harmonies  were  simpler  than  later eras,  and  the  more  distant  keys  rarely  used.  In  a  symphony  or  concerto,  a  C  major  opening  will  usually  first  go  to  G  major,  the  nearest  key.

  But  starting  in  the  later  19th  century  ,  composers  became  much  more  adventurous,  modulating  to  distant  keys  quickly  and  using  much  more  complex  chromatic  harmonies,  such  as  Franz Liszt  and  his  son-in -law  Richard  Wagner.  This  complex  chromaticism  led  to  a  kind  of  weakening  of  the  music  seeming  to be  in  a  key  at  all,  and  eventually  led  to  what  we  call  Atonality,  or  the  absence  of   any  sense  of  key  at  all,  which  began in  the  early  20th  centuries  with  composers  such  as  Arnold Schoenberg  and  others.

  The  famous prelude to  the  great  opera  "Tristan  and  Isolde " by  Wagner,  written  as  early  as  the  1850s  illustrates  this  weakening  of  tonality.  It's  difficult  to  get  your  bearings  in  this  piece,  the  sense of  tonality  is  extremely  ambiguous.  Later,  French  composers  such  as  Claude  Debussy  experimented  with  writing  tonally  ambiguous music,  but  the  music  still  ended  in  a  key  eventually.  But  Schoenberg  and  his  assocates  broke  free  of  tonality  altogether.  However,  many  20th  century  composers  never  adapted  atonality, even  though  they  used  very  complex  harmonies.

  However,  most  of  the  music  people  hear  every  day,  whether  classical  or  popular,  relies  on  the  concept  of  tonality  just  as  the  earth  relies  on  gravity.

Posted: Jun 08 2009, 08:14 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Recitative - An Important Part Of Opera

  If  you  attend  a performance  of  many  operas,  usually  those  written  before  the  later  19th  century,  you'll  notice  certain  parts  between  the  arias,  duets,  choruses  and  other  ensemble  passages  in  which  the  orchestra  does  not  play  and  the  singers  are  singing  in  a  kind  of  non-melodic  style  which  approximates  ordinary  speech.  These  passages are  usually  accompanied  only  by  a  harpsichord ,  cello  or  occaisionally  other  instruments.

  This  is  what  is  called  Recitative  in  operatic  parlance,  or  recitativo  in  Italian (rechi-tat-teevo) .  It's  a  kind  a  declamatory  singing.  In  the  opera,  the  action  proceeds  through  recitative,  and  the  arias,  duets  or  other  ensembles  halt  the  action  in  order  for  the  singer  or  singers  to  state  their  emotions.  Recitative  passages  are  also  common   in  the  oratorios  and  cantatas  of  such  great  composers  as   Handel,  Bach,  Haydn  and  Mozart  etc.

   Recitatives  often  precede  an  opera  aria,  or  one  in  an  oratorio. The  kind  with  only  harpsichord  and cello  is  called  dry  recitative,  or  "Secco"  in  Italian,  and  the  other  type ,  in  which  the  orchestra  participates, is  called  recitativo  accompagnato,  or  accompanied  recitative.

   The  supertitles  used  in  opera  houses  are  very  helpful  because  you  can  understand  what  the  singers  are  singing  about;  without  this aid,  recitatives  can  be  awfully  boring.  On  CD,  most  operas  come with  an  English  translation  along  with  the  text  in  the  original  language  so  you  can  follow  what's  going  on,  and  most  DVD  performances  have  English  subtitles.

  In  many  French  and  German  operas,  the  recitatives  are  replaced  by  spoken  dialogue .  Mozart's German  language  operas"The  Magic  Flute"  and  "The  Abduction  From  the  Seraglio  feature  this,  as  well  as  Beethoven's  Fidelio"  and Weber's  "Der  Freischutz"(The  Freeshooter).  The  original  version  of  George  Bizet's  "Carmen"  features  spoken  dialogue in  French,  but  soon  after  the  composer's untimely  death  shortly  after  the  premiere,  another  composer  replaced  them  with  recitatives  which  he  wrote  himself.

  As  the  19th  century  progressed, dry  recitative  went  out  of  fashion,  but  there  were still  recitative-like  passages  with  the  orchestra  accompanying  the  singers.  With  Wagner,  the  technique  of  "through-composing "  operas  became  the  norm ;  that  is,  the  action  was  continuous ,  and  the  individual  arias  and  other  ensembles  were  no  longer  self-contained  and  easily  separated  from  the  action.  Recitatives  may  be"dry", but  if  you  follow  the  action  with  a  translation,  you  can  understand  what  is  going  on  in  the  action,  and  experience  how  characters  interact.

Posted: Jun 07 2009, 08:23 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
The Colorful And Exotic Music Of Armenian Composer Aram Khatchaturian

  May  6th  is  the  birthday  of  Aram  Khatchaturian,  the most  famous  composer  of  Armenia .  He  lived  from  1903 to  1978,  and  was  the  son  of  Armenian  parents  who  had  settled  in  Tbilisi,  now  the  capital  of  the  republic  of  Georgia .  Georgia  and  Armenia  are  adjacent  countries,  formerly  part  of  the  Soviet  Union,  and  have  ancient  cultural  and  historical  ties  to  each other. 

  Khatchaturian  had  grown  up  with the  folk  music  of  Armenia,  Georgia  and  the  Caucasus,  but  had  virtually  no  formal  training  in  music  until  he  moved  to  Moscow  at  around  the  age  of  20  and  studied  cello at  the  Gnesin  institute  in  that  city,  and  later  studied  composition  at  the  Moscow  consevatory  with  Nikolai  Myaskovsky (1881 -1950),  a  Russian  composer  little-known  outside  of  that  country  today,  but  highly  respected  there.

  Khatchaturian(  the  kh  is  pronounced  as  in  the  Jewish  word  Chutzpah, gutturally),  combined  the  techniques  and  traditions of  western  music  with  the  colorful  flavor  of  the  traditional  music  of  his  native  Caucasus,  and  became  a  highly  respected  teacher  and  conductor  in  the  Soviet  Union.  He  also  travelled  widely  in  Europe,  Asia  and  America,  conducting  his  music  and  visiting  other  famous  composers  such  as  Sibelius. 

   Among  his  most  famous  works  are  concertos  for  violin,  piano  and  cello,  and  the  colorful  ballet  scores  Gayaneh  and  Spartacus.  Gayaneh  (guy-a- neh), is a ballet  about  life  on  collective  farm  in  Armenia  the  Soviet  era,  and  its  most  famous  excerpt  is  the  "Sabre  Dance",  which  you  no  doubt  have  heard. This  has  been  used  on television, radio  and  films  for  many years,  but is  best  heard  in  the  several  suites  of  excerpts  the  composer  put  together  from  the  complete  ballet.

  Spartacus  deals  with  the  famous  slave  rebellion  in  Rome  led  by  the  Phrygian  slave  of  that  name,  and  the  brutal  suppression  of  that  revolt  by  Rome.  You  may  remember  the  famous  film  about  this  starring  Kirk  Douglas. The  ballet  score  is  lavish,  decadent, brutal  and  even  vulgar at  times,  but  certainly   not  boring. 

  There  are  three  symphonies,  also  highly  colorful.  The  second  was  written  during  the  second  world  war  and  attempts  to  convey  the  grimness  of  that  great  conflict  but ends  on  a  triumphantly  hopeful  note.  The  third  is  scored  for  a  very  large  orchestra,  including  massed  trumpets.

   Khatchaturian  was  also  a  close  friend of  such  great  Russian  composers  as  Prokofiev  and  Shostakovich,  and  wrote  a  good  deal  of  official  cantatas  and  other  works  to  glorify  the  Soviet  regime.  But  none of  these  minor  works  has  survived.  They are  essentially  hackwork;  but  the  concertos ,  symphonies  and other  works  are  very  much  worth  hearing.  They are  highly  melodious  and  energetic,  and  the  orchestration  is  extremely  colorful.

  A number  of  eminent  violinists,  cellists  and  pianists  have  recorded   the  concertos, and  the  composer  recorded  a  number  of  his  own  works.  Khatchaturian  may  not  be  a  Bach,  Mozart  or  Beethoven,  but  his  exuberant  and  colorful  music  is  always  highly  entertaining.

Posted: Jun 06 2009, 08:15 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Should Conductors (Or Other Musicians) Talk To The Audience Before Performances ?

  This  is  a  controversial issue  in  classical  music.  Sometimes.  conductors,  or  other  musicians,  will  address  the  audience  before  conducting  a  particular  work  when  they  come  onstage, instead  of  simply  starting   the  performance. 

  This  is  not  done  when  familiar works,  such  as  the  symphonies  and  concertos  of  Mozart,  Beethoven,  Brahms, Tchaikovsky  and  Rachmaninov  etc  are  played,  but  sometimes  when  a  complex  new or  recent  work  is  performed,  or  an  unfamiliar  one  from  the  past.

  Some  listeners  and  critics  approve  of  this,  but  others  do  not.  Each  orchestra  has  an  expert  individual,  often  a  musicologist ,  to  write  program  notes  for  the  concert,  which  are  supposed  to  give  the  audience  background  information  about  the  works  played  on  the  concert  and  the  composers.

  The  notes  will  explain  the  circumstances behind  the  writing  of  a  given  work,  and  also  describe  how  it  is  constructed,  which  instruments  play  solo  passages,  how  the  work  was  received  by  audiences  and  critics  when  it  was  new,  and other  interesting  details.

  But in  some  cases,  the conductor  decides  to  address  the  audience  before  the  performance  to  give  then  some  background  information  about  the  work. Both  with  the  speeches  and  the  program  notes,  much  depends  on   how well  they  are  done.  Often,  audiences  complain  that  the  notes  are  much  too  technical  to  understand,  with  words  such  as  "modulations",  "tone-rows",  " exposition"," development","recapitulation",  "Tonic", "Dominant",  "Schenkerian  analysis",  etc. 

  And  if  the  conductor  is  too  long-winded,  audiences  can  find  this  annoying. In addition,  orchestral  musicians  often  say  that  they  don't  like  to  be  kept  waiting  before  the  performance.  But  if  the  conductor  is  an  engaging  speaker,  audiences  can  gain  some  insight  into  the  music.  So  if  this  happens  at  any  concert  you  might attend,  don't  be  alarmed.  Give  the  maestro  a  chance.

Posted: Jun 05 2009, 08:38 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Tchaikovsky's Searing Manfred - A Programmatic Symphony

  Tchaikovsky  wrote  six  numbered  symphonies,  but  only  the  last  three  are  played  very  often,  which  is  unfortunate,  as  the  first three  are  highly  attractive.  But  he  also  wrote  a  massive  unnumbered  symphony  with  a  program, or  definite  story,  based  on  a  poem  by  Lord  Byron,  called  Manfred.

  This  is  only  occaisionally  performed,  but  some  consider it  one  of  the  composer's  greatest  works,  and  was  written  in  the  mid  1880s,  between  the  fourth  and  fifth  symphonies. The  Manfred  symphony  is in  the  tradition  started  by  the  Symphonie  Fantastique  of  Hector  Berlioz,  that  is,  a  multi-movement  orchestral  work  which  tells  an  elaborate  story,  unlike  your  typical  abstract  symphony. 

  Byron's  poem  concerns  one  Manfred,  a  tormented  soul   who  wanders  in the  Alps  searching  in  vain  for  happiness  and  fulfillment.  He  was  tempted by  the  ancient  goddess  Astarte,  and   longs  for  her.  There  are  four  movements.  The  outer  ones  are  the  longest  and  most  complex,  and  the  two  briefer inner  ones  are  a  kind  of  relief  from  the  brooding  and  anguish of   the  others.

  Tchaikovsky's  own  notes  on  the  work  begin  thusly -  "Manfred  wanders  in  the  Alps,  tormented  by  fateful  pangs  of  doubt,  rent  by  remorse  and  despair,  his  soul  the  victim of  nameless  suffering."   This  is the  long,  brooding  first  movement,  which opens  with  a  mournful  theme  which  recurs  throughout  the  symphony  at  crucial   times.  The  movement  ends  with  a  crushingly  massive  climax .

   The  brief  second  movement  provides  much-needed  relief.  According  to  the  composer,  the  "Alpine  fairy  appears  to  Manfred  in  a  rainbow".  The  music  is  delicate  and  gossamer.  There  is  a  lyrical  melody  which  serves  as  the  middle  section,  and  a  return  to  the  opening,  but  also  an  ominous  return  of  the  baleful opening  theme.

  The  third  movement  is  a  gentle  intermezzo  with  lilting ,  barcarolle-like  movement.  Manfred  seeks  solace  among  the  shepards,  but  there  is  still  another  ominous  return  of  the  fateful  melody  of  the  beginning.

   The  last  movement  depicts  a  hellish  bacchanal  in  the  underground  palace  of  the  ancient  pre-islamic  Persian  god  Arimanes .  "Manfred  appears  in  the  middle  of  the  Bacchanal".  The  goddess  Astarte appears  and  predicts  that  he  will  soon  die  and  be  freed  from his  earthly  torment.  Manfred  dies  quietly, and  the  work  comes  to  gentle  conclusion.

   The  bacchanal  contains  some  of  the  most  frenzied  music  you'll  ever  hear.  This  is  no  fun  get  together !   The  symphony  reaches  a  heart-stopping  climax  complete  with  a  resounding  organ,  and  the  work  reaches its  quiet  conclusion. 

  The Manfred  symphony  is  a  difficult  work,  complex,  intensely  emotional  and  longer  than  any  of  the six  numbered  Tchaikovsky  symphonies.  But  it's  a  genuine  masterpiece,  and  deserves  to  be  heard  more  often.

  However,  many  eminent  conductors  have  recorded it,  including  Arturo  Toscanini,  Eugene  Ormandy, Igor  Markevitch,  Lorin  Maazel,  Mariss  Jansons,  Bernard  Haitink,  Andre  Previn,  Yevgeny  Svetlanov,  and  others.    

Posted: Jun 04 2009, 08:20 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Film Director Ken Russell Rants On Classical Classical Music

  Yesterday  I  read  a  very  interesting  rant  at  the  English  classical  music  website Theclassicalsource.com.  This  is  an  excellent  website  featuring  news  about  classical  music  in  general  along  with  reviews  of  the  latest  concerts  and  opera  performances  in  London , and  sometimes  New  York  and  elsewhere,  as  well  as  reviews  of  CDs. 

  The  famous(or notorious)  English  film  director  Ken  Russell  is  also  a  great  classical  music  fan,  and  has  made  highly  fictionalized  fictionalized  films  about  Tchaikovsky,  Wagner,  Liszt  and  Mahler ,  as  well  as  ones  on  other  controversial  topics. 

  The  website  regularly  features  commentary  by  famous  musicians , but  this  time,  director  Russell  gets  a  chance  to  do  a  rant  about  the  alleged  state  of  orchestral  concerts in  London.  He  complains  about  the  standardized  programming,  and  the  timidity  of  conductors  appearing  there  in  their  choice  of  repertoire. 

  He's  right  to some  extent  here;  the  London  orchestras ,  such  as  the  London  Symphony,  the  Philharmonia (not  Philharmonic,  the  Royal  Philharmonic  and  the  London  Philharmonic  do  tend  to  offer  the  same  old  established  masterpieces  by  Beethoven,  Brahms,  Tchaikovsky, Rachmaninov,  Dvorak, Schubert,  Mendelssohn  etc. Living  or  recently  deceased  composers  are  given  short  shrift,  unlike  American  orchestras  such  as  the  New  York  Philharmonic,  and  those  of  Chicago, L.A., San Francisco,  Cleveland,  etc. The  B.B.C.  Symphony  Orchestra  ,  run  by  that  famous  English  institution,  is  somewhat  more  adventurous.

  But  there  are  exceptions,  such as  the  brilliant  and imaginative  young  Russian  conductor  Vladimir  Jurowski, currently  music  director  of  the  London  Philharmonic. And  the  acclaimed  modernist Finnish  conductor  and  composer  Esa-Pekka  Salonen , after  his  long  stin  in  Los  Angeles,  is  going  to shake  up  the  Philharmonia  when  he  takes  over.

  But  he  starts  overstating  his  case  when  he  talks  about  the  supposed  lack  of  great  conductors ,  or  "real  conductors", as  he  cals  them.  Those  of  today,  according  to Russell,  are  not  the  forceful  authority  figures  of  the  past  who  ruled  orchestras  with  an iron hand,  such  as  Arturo  Toscanini,  Otto  Klemperer,  Fritz  Reiner,  and  other  legendary  figures  of  the  podium. 

Those of  today  are  just  a  bunch  of  superficial  glamor  boys  whose  careers  have  been  more  the  product  of  slick  publicity  and  glamorous  image  than  real  musical  ability.  Russell  sneers at  the  brilliant  young  Venuzuelan  conductor  Gustavo  Dudamel,  soon  to  succeed  Salonen in  Los  Angeles,  saying  that  his  meteoric  career is  based  purely  on  good  looks.

  But  he's  dead  wrong.  Dudamel is  a  genuine  and  phenomenal  talent,  and  would  never  have  been  appointed  to  lead  a world-class  and  prestigious  orchestra  like  the  Los  Angeles  Philharmonic  on  the  basis  of  slick  promotion  alone,  without  enormous  talent.  Orchestral  musicians  can  tell  whether  a  conductor  is  an outstanding  talent, or  a  mediocrity  or  fake  instantly. You  can't  fool  them.

  In  addition,  Dudamel  has  been  conducting  leading orchestras  all  over  Eurpe, America  and  elsewhere  as  a  guest,  to  considerable  acclaim. Russel  makes  the  ridiculous  claim  that  none of  the  harsh  discipliarian  conductors of  the  past  would  be  tolerated  today  in  orchestral  music  because  of "political  correctness".  Therefore,  the  conductors  of  today  are  a bunch  of  wimps  who  lack  the  authority  to  make  orchestras  play  well,  and  playing  standards  in  the  London  orchestras  have  declined  badly.

  Excuse  me,  Ken,  but  you're  dead  wrong  again  here.  London  has  five  world-class  symphony  orchestras,  and   all  of  them  maintain  very  high standards  of  playing.  The  world's greatest  conductors  and  instrumental  soloists  appear  with  them  regularly.

  And  no  conductor,  violinist,  pianist,  cellist  etc, or  opera  singer  has  ever  made  an internationally  acclainmed  career  on  the  basis  of  slick  publicity alone,  without  genuine  and  exceptional  talent.  Audiences aren't  stupid.  They  can  recognize  talent, or  the  lack  of  it.  Yes,  slick  publicity  does  exist  in  the  classical  music  world,  and  today  the  good  looks  of  certain  classical  musicians,  particularly  young  and  promising  ones,  are  used  for publicity. But if  you  don't  have  what  it  takes,  you'll  never  make  it.

  Remember  the  old  joke  about  how  do  you  get to  Carnegie  Hall?  Practice. Yes,  but  if  the  talent  isn't  there,  you  won't  even  make it  in  Podunk.  I  wish  Russell  would  stick  to  directing  movies.

 

Posted: Jun 03 2009, 08:21 AM by the horn | with no comments |
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
My Blog Is One Year Old Today !

  One  year  ago  today,  I  started  my  blog  The  Horn  with  the  hope  of  interesting  more  people  in  classical  music  and  explaining  it  to  those  who  are  new  to  it,  and  to  try  to  debunk  myths  about  this supposedly"elitist"  and  rarified  art  form. I  hope  I've  accomplished  something  with  it,  and  I'm  gratified  by  all  the  positive  feedback  I've  received. 

  I  hope  I've  shown  people  that  far  from  being  a  stuffy  affair  for  the  rich  and  snobbish,  classical  music  is  something  that  any one  can  enjoy  if  he  or  she  just  gives it  a  chance,  and  that  if  you  make  the  effort  to  listen  carefully  to  it,  it  can  be  incredibly  rewarding.  And  that it's  not  just  about  "Dead  White  European  Males" ,  but  a  kind  of  music  composed  also  by  Americans,  Latnin  Americans,  Asians,  women,  blacks, and  others,  and  that  there  are  plenty  of  living  composers  being  performed  today.

  In  addition,  I  hope  I've  made  people  aware  about  how  easy  it  is  to  make  classical  music  a  part  of  your  life,  and  that  you  don't  have  to  be  wealthy  to  enjoy  it,  despite  the  high  prices  for  tickets  in  some  locations.  Classical  Cds  and  DVDs  are  so  easy  to  get  at  websites  such  as  arkivmusic.com,  or  to  download,  and  there  is  so  much  you  can  hear  and  see  on  the  internet. 

  And  that  classical  music is  a  continuum  of  music  going  back  centuries  to  the  present  day,  not  just  a  distant  and  irrelevant  thing.  So  if  you're  relatively  new  to  it,  keep listening  as  much  as  you  can,  get  classical  CDs  and  DVDs,  keep  exploring  music  you  haven't  heard  before,  attend  live  performances  whnever  you  can,  read books, magazines,  and  newspaper  articles  about  it,  and  visit  classical  music  websites  and  blogs.  You'll  never  regret  doing  this !

 

Posted: Jun 02 2009, 08:11 AM by the horn | with 1 comment(s)
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Classical Music Is Flourishing In The Small And Remote Nation Of Finland

 Finland  is  a  small  but  very  interesting  country  of  only  about  five  million people,  tucked away  in  the  far  north  of  Europe  between  Sweden  and  Russia.  The  Finns  are  somewhat isolated  by  their  strange  and  difficult  language,  which  distantly  related  to   Hungarian,  but  more  similar  to the language  of  Estonia,  directly  to  its  south  on  the  Baltic  in  what  used  to  be  the  Soviet  Union ,  but  utterly  incomprehensible  to  other  Europeans. 

  The  country  is  known  for  Saunas  and  its  thousands  of  lakes,  and  its  vast  forests; it's   a  prosperous  and  advanced,  if  very  expensive  to  live  in  country,  but  it's  also  an  important  center  for  classical  music,too,  and  thanks  to  generous  government  subsuidies  and  its  music -loving  people,  classical  music  is  doing  amazingly  well  there.

  The  great  composer  Jean  Sibelius  (1865 -1957)  is  probably  the  most  famous  Finn  of  all  time,  but  he  actually  came  from  the  Swedish-soeaking  minority  which  still  lives  there,although  he  spoke  Finnish.  Finland  was  for  a  very  long  time  ruled  either  by  Sweden  or  Russia.  To  this  day,  Swedish  is  an  official  language  of  Finland  along  with  Finnish. 

  Sibelius  put  Finland  on  the  musical  map  with  his  brooding  and  highly  atmospheric  music,  which  is  rooted  in  the  ancient  history  and  geography  of  the  country.  But  Finland  has produced  a copnsiderable  number  of  distinguished  composers  since  Sibelius,  including  living  figues  such  as  Einojuhani  Rautavaara,  Magnus  Lindberg,  Esa-Pekka  Salonen (better-known  as  a  conductor),  Aulis  Sallinen,  Kalevi  Aho,  and  no  longer  living  ones  such  as  Joonas  Kokkonen,  Yrjo  Kilpinen,  Unno  Klami,  and  Leevi  Madetoja,  to  name  only  a  handful.

  Finland  has  also  produced  distinguished  conductors  such  as  Salonen,  who  recently  stepped  down  as  conductor  of  the  Los  Angeles  Philharmonic,  Leif  Segerstam,  Osmo  Vanska,  Paavo  Berglund,  and  Jussi  Jalas,  who was  married  to  a  daughter  of  Sibelius.  And  leading  opera  singers  such  as  Karita  Mattila,  Soile  Isokoski, Jorma  Hynninen,  Matti  Salminen  and  Martti  Talvela,  to  name  only  a  few.

  The  Helsinki  Philharmonic  and  Finnish  Radio  Symphony  orchestra  are  world-class,  as  well  as  the  Finnish  National  Opera  in  Helsinki,  and  there  are  several  excellent  orchestras   and  opera  companies  in  other  Finnish  cities  such  as  Lahti  and  Turku.  There  is  an  annual  Summer  opera  Festival  at  the  town  of  Savonlinna ,  and  numerous  other  music  festivals. 

  The  Sibelius  Academy  in  Helsinki  is  considered  one  of  the  world's  top  music  schools,  and  attracts  promising  young  classical  musicians  from all  over  the  world.  There  are  also  numerous  choirs  and  other  groups. 

  It's  been  estimated  that  this  small  but  prosperous  nation  has  one  opera  house  per  250,000 people .   If  the  US  had  this  many,  there  would  be  nearly  1500   opera  companies  here !   But  none of  this  would  be  true  without  the  generous  help  of  the  Finnish  government.

 

Posted: Jun 01 2009, 08:18 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web