The Horn

Contact Me

Receive Email Updates

November 2008 - Posts

The World's Top 20 Orchestras ?

   Recently,  Britain's  prestigious   CD  review  magazine   Gramophone,  which has  been  reviewing   new  recordings  since  1923,  published  its  list  of  what  it  considers  the  world's  20  best  orchestras,  ranked  in order.  This  has  caused  a  great  deal  of   discussion  and  controversy   at   classical  websites,  blogs   and forums  on  the  internet.

   Many  have  pointed  out  how  arbitrary  and subjective  such  ratings  are,  and they  are  right.  Curiously,  some   very   famous  and  internationally  acclaimed  orchestras  did  not  make the  cut ,  and  a  couple  of the  orchestras  on  the  list   are   opera  orchestras  which  play  sporadic  concerts,  and  one  consists  of  musicians  from  other  orchestras  who   gather  occaisionally  for  festival  concerts.

   Here they  are  : 1.  Royal  Concertgebouw  orchestra  of  Amsterdam 2. Berlin  Philharmonic.  3.  Vienna  Philharmonic. 4.London  Symphony  Orchestra.  5. Chicago  Symphony. 6.  Bavarian  Radio  Symphony of  Munich.  7..  Cleveland  Orchestra.  8. Los  Angeles  Philharmonic.  9..  Budapest  Festival   Orchestra. 10..  Saxon  State  Orchestra  of  Dresden.  11.Boston  Symphony. 12.  New  York  Philharmonic.  13.  San  Francisco  Symphony.  14.  Orchestra,  Mariinsky  Theater,  St.  Petersburg, Russia.  15.  Russian  National  Orchestra.  16.   St.  Petersburg  Philharmonic.  17.  Leipzig  Gewandhaus  Orchestra.  18.  Metropolitan  Opera  Orchestra.  19.  Saito  Kinen  Orchestra,  Japan.  20.   Czech  Philharmonic,  Prague.

   According  to  Gramophone  magazine,  the   principal   criterion  was   how  well  the  orchestras  have  preserved  a  distinctive  sound  of  its  own,  even  though   it's  actually  impossible  for  any  two  orchestras  to  sound  alike.  But  not  every  critic  or  fan  agrees  about  ranking  orchestras.  Critic  X  will  often  declare  that   orchestra  W  is  superior  or  inferior  to   Y,   critic  Y  will  declare  the  opposite. 

   Often  it's  a  comparison  of  different  sections  within  different  orchestras.   One person  thinks   this  orchestra's  string  section is  superior  or  inferior  to  another's,  or its  woodwind  or  brass  section.  Certain  orchestras  are  famed  for  outstanding  individual  sections.  For  example, the  Philadelphia  orchestra's  string  section  has  long  beenmous  for  its  rich,  silky  sound,  and  the  Chicago  symphony  has  long  been  famous  for  its  mighty  brass  section.  Which  is  not  to  say  that  the  other  sections  of  either  orchestra  are  less  than  world-class.

  Some  categories  for  judgement   of  orchestras  are  A.  Technical  virtuosity,  B.  Richness  of  sound,  purity  of  intonation  (playing in  tune),  C. Precision.  Does  the orchestra  stay  together  or  are  there  moments  when things  sound  shaky?  D.  Stylistic  adaptiblity.  Does  the  orchestra  adapt  itself  to  the  sound   and  style  appropriate  to  the  music  being  played?

   Still,  this  listing  is   so   arbitrary.  There  are  many  other  superb  orchestras  elsewhere  ,  such  as  American  ones in Minneapolis,  Pittsburgh,Baltimore,  St. Louis, Cincinnati, etc,  London's  four  other  major  orchestras,  the  London  Philharmonic,  Philharmonia,  Royal  Philharmonic  and  BBC  Symphony,  the  Munich  Philharmonic,  Berlin  Deutsches  Symphony  orchestra,  the  Berlin  Staatskapelle,  the  Rotterdam  Philharmonic  in  the  Netherlands,  the  Israel  Philharmonic,  Orchestre  de  Paris,  and  French  National  Orchestra  in  Paris,  etc.  Even  the  tiny   principality  of  Monaco  has  an  excellent  orchestra,  the  Monte  Carlo  Philharmonic !   Canada  has  the  world-class  Montreal  Symphony.

    WE  ought  to  stop   comparing  apples  and  orchestras,  and   appreciate  each  great  orchestra  on  its  own   individual  merits.

  

Posted: Nov 30 2008, 08:39 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Concert Hall Acoustics - A Mysterious Subject

   If  you   attend  concerts  at  different  concert  halls    in  America,  Europe  and  elsewhere,  you  will  notice  that  the  sound   of  the  music   varies  considerably,  and  you  can  even  hear  these  differences  when  you  hear   radio   and  television  broadcasts  and   Cds  and  DVDs  from  these  concert venues.   In  other  words,  it's  the  varying acoustics  of  these  concert  halls.  Acoustics  is  the  science  of  sound ;  this  post  will  try  to  explain  something  about  what  makes   for   excellent  or  not  so  great  sound  in  different  concert  halls   without  getting  too  technical  ,  even  though  I'm  no  expert  on  this  subject  myself.

   In  some  concert halls,  the  sound  is  wonderful;  rich, reverberant  and  immediate.  This  adds  greatly  to  your enjoyment  of the  music.  In  other   locations,  the  sound  is  less  pleasing.  The  music  may  sound    lacking  in  warmth  and reverberation,  or   even  harsh  and too  loud.  The  sound  in  non-reverberant  halls  is  usually  described as  "dry",  and   more  reverberant   ones  are  often  described  as  "live". 

   Designing   concert  halls  is  a  difficult   art;  there  are  acousticians  who  job  is  to  try  to  make  the  sound  a  good  as  possible,  and  it's  a  hit  or  miss   affair.  Some  concert  halls  built  in  recent  years,  such  ad  Davies  hall  in  San  Francisco,  Verizon  hall  in  Phildelphia  and  others,  have   had  their  acoustical  problems,  and   many  halls  have  had  to  undergo  renovation  to  attempt  to  improve  their  acoustics.  Avery  Fisher  hall  in  Lincoln  center,  home of  the  New  York  Philharmonic,  has  been  problematical ever  since it  opened  as   Philharmonic  hall  in  1962,  and  will  be  renovated   in  a  few  years.  The  nextdoor  New  York  State  theater,  home  to  the  New  York  City  opera  and  Ballet,  is   notorious  for  its  poor  acoustics  and  is  currently  being  redone,  and  will   reopen  next  season. 

   But  such  halls  as   the  Concertgebouw  in  Amsterdam,  Symphony  hall  in  Boston,  and  the  Musikverein  in  Vienna  are   renowned  for  their  superb  acoustics.  These   are home  to  respectively,  the  Concertgebouw  orchestra  of  Amsterdam,  the  Boston  Symphony  and  the  Vienna  Philharmonic. 

   The  website  concerthalls.org  lists  these   qualities  as  the  criteria  for  judging  the  sound  of  a  hall :   Reverberation,  Clarity,  Intimacy,  Warmth  And  Brilliance,  Spaciousness,  and  background  Noise.  The  time  for  sound  to   cease  reverberating  differes  widely   in  different  halls;  in  some  it   ceases  quickly,  causing  a  drier  sound; in  others,  the  sound  takes  more  time  to  reverberate.  In  Cathedrals,  where  music is  sometimes  performed,  the  reverberation  can  last  up to  nine  seconds !  

   Clarity  refers  to   how  distinctly  things  can  be  heard;  if   a  hall  is  too  reverberant,  the  sound  can  be  muddy.  Intimacy  refers  to  the  immediacy  of  the  sound;  in  some  halls,  the  sound  seems  distant  and  lacking  in  presence.  Warmth  and  brilliance  refer  to  how   voluptuous  the  sound  of  a  hall  is;   the  Concertgebouw  and  the  Musikverein  sound  warm  and  brilliant;  other  halls  dry  and  clinical.   spaciousness  means  the  sense  of  being  surrounded  by   space.  Smaller  halls  do  not  sound  as  spacious;  venues  for  chamber  music   are  expected  to  sound  less  spacious.  Background  noise  refers  to  how  intrusive  sounds  such  as  coughing,  people   unwarpping   candy  and  other  extraneous  noises  are.

   Some  of  the  acoustical  success  stories  of  our  time  are   Walt  Disney  hall  in  Los  Angeles  ,  now  home  of  the   Los  Angeles  Philharmonic , and  Myerson  hall  in  Dallas,  home  of  the  Dallas  Symphony.  But   designing  halls  is something  of  a  crapshoot.   The  great  European   halls  in Vienna   and  Amsterdam   have  been  described as  being  designed  in  a  shape  resembling  a  shoe  box;  that  is  relatively  long  and  narrow;  for  some  reason  this  makes  for  better  sound.  And  in  the  19th  century,  before  reinforced  concrete   and  metal  were  used  in  building  halls,  timber  was  the  main   thing  used  in  constructing  the  halls,  and  these  elements   contributed  toward  the   superior  acoustics.  It  was  necessary  to  build  halls  in  this  shape  to   avoid  building  collapse.   Acoustics  had  yet  to  develop  into  a  science.  Ironic  how  superior  acoustics  came  about  by  chance,  isn't  it?

  

  

Posted: Nov 29 2008, 08:30 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
What Is Classical Music ?

   This  term  is not  easy  to  define.  First  of  all,  not  only  Western Classical  Music  is  called  "classical".  Sometimes,  the  ancient  traditional  musics  of  non-  european  countries  are  described  as  the " classical  "music  of   the  Arabs,  Persians,  or   the  traditional  Sitar-based  music  of  India.  Also,  in  music  history,  the  elegant  music  of  composers  such  as  Mozart  and  Haydn  is  often  called "classical", that  is  belonging  to  the  so-called  classical  period  of  western  music, ca  1750 - 1820. 

   Sometimes  what  we  call  classical  music  has  been  described  as "serious"  music,  which   unfortunately  implies  that  musicians  who  perform  Jazz   or  folk  music  etc,  aren't  serious  about what  they do.  Of  course  they are.  Let's   try  to describe  what  classical  music  isn't  fist.  It's  not  folk  music,  although  composers  have  often  made  use  of   folk  music  in  their"serious"  compositions.  It  isn't   improvised,  although  improvization  was  once  an  important  part  of  classical  music.  It  usually  isn't intended  as   casual  entertainment, although  some   classical  works  in the  past were  written  to  entertain  the   nobility  at  banquets  etc. 

   Another word  for  classical  music  is  "Art"  music,  although  this  is  a  pretty  vague  term.  Alright  then;  what  we  call  classical  music   is   the  kind  of  music  that  we hear  when  we   go  to  a  concert  hall  and  hear  a  symphony  orchestra  perform,  or   attend  the  opera,  or   chamber  music  such  as  string  quartets etc. 

It's  written  out  carefully  by  one  individual    on  paper  (or  computers  now !),  and  some  one   has  to  study  that   printed  music  carefully  to  perform  it.  The  sheet  music of  pop or  Rock  music  etc is  usually  just  a  vague  outline;  the  written  music  in  classical  often  contains  much  more  elaborate  indications  of  how  to  perform the  music   such  as   loudness  and softness,  tempo,  changes  of  tempo,  either  speeding  up or  slowing  down,  written  instructions about  the   expressive character the  composer  intends,  etc.

   Much  of  classical  music  is  purely  instrumental,  although  vocal  music  is  still  a  very  important  part  of  it.  There  are  different  forms  of  music  such  as  symphonies,  concertos,  and  miscellaneous  orchestral  works,  and  sonatas ,  quartets, trios,  quintets,  etc  for  different  combinations  of instruments,  whether  strings,  winds, or  piano.  There  are  large  scale  works  for  orchestra,  solo  singers  and  chorus,  sometimes  based  on  religious  subjects,  and  opera,  which  is  sung  drama  with  an orchestra  as  accompaniment.

   Also,  classical music  has  existed  much  longer  than  Rock  music,  pop,  Jazz, Hip  Hop  etc.  The  forms  used  by classical  composers  have  existed  for  centuries,  and  are  still  used  by  composers  today,  if   often  in  a  radically  different   manner.   Composers  such  as  Bach,  Mozart,  beethoven and  Schubert etc  have  been  popular for  a very  long  time,  and  show  no  signs  of  going out  of  favor.  But  fortunately,  this  has  in  no  way  prevented  a  great  deal   of   new  classical  music  from  being  written  and   performed  in  our  time. 

    Will  the music  of the Beatles,  Rolling  Stones,  Madonna,  Britney  Spears  and  other   superstars  of popular  music   be   popular  centuries  from  now ?  Only  time  will  tell.  But  the  music  of  many  great  classical composers  has  certainly  stood  the  test  of time.   

Posted: Nov 28 2008, 08:26 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Let's Be Thankful For Classical Music

   On  Thanksgiving,  I  thought  it  would  be  a  good  idea  to  point  out  how   grateful  those   who  love  classical  music  should  be  for   the  current  state  of this  magnificent  art  form,  and  show  how  different  things were in  the  past   for  classical  music  in  general.

   Yes,  things  were  vastly  different in  the  past.  Consider  what  the  world  of  classical  music  was  like  in  the  time  of  such  great  composers  as   Haydn,  Mozart  and  Beethoven   in  the  period  roughly  from   the  mid  18th  century   through   the  early  19th,  and  even  later.   If  you  or  I   had  lived  then,  the  only  kind  of  music  we  could  hear  was  live.  There  were  only  a  tiny  fraction  of  the  orchestral  concerts ,  opera  performances  and  other  musical  events   which  happen  today.  People  who  lived  in  remote  rural  areas  had  absolutely  no  access  to  classical  music  performances ;  the  only  places  with  an  active  concert  life  were   major  cities  such  as   Vienna,  Paris,  London,  Munich,  Dresden,  Milan,  etc,  although  some smaller  cities  had  some  performances. 

   Beethoven was  born  in   the  city  of  Bonn  in  the  Rhineland,  formerly  capitol  of  West  Germany  until  reunification.  There was  something  of  a  musical scene  there,  but  to   realize  his  dreams  and  ambitions,  Beethoven  decided  to  move  to  Vienna ,  the  real  center  of  music.  Members  of the  aristocracy  who  loved  music  supported   it,  and  Haydn  was  for  many  years  music director   for  the Hungarian  count  Eszerhazy,  who  had his  own  private  small  orchestra   and   regularly  had concerts,  opera  and chamber  music  at  his palace  in  a  remote  area  of  Hungary.  And   having  Haydn  as  his  music  director, or  Kapellmeister,  to  write  music  for  him,hire musicians  and   be  in  charge  was  a  feather in his  cap.

   Later,  in  the  19th  and  earlier  20 th  century,  the  number  of  orchestras  and opera  companies  increased,  but  people  outside of  major  cities  had  to  content  themselves  with  piano  transcriptions of   a  variety  of  classical  works,  orchestral  or  operatic,  and   a  great  many  homes  had  pianos,  and people  would  play  them   for  their own  enjoyment   at   family  get togethers.

   In the  early  20th  century,  Edison's invention of  recorded  sound  enabled  more and  more  people  to hear   classical  music  at  home,  although  the  technology  of  recording  was  primitive  in  the extreme  compared  to  the  digital  age  in  which  we live.   The  legendary  Italian    tenor  Enrico  Caruso  (1873 -1921)  became  the  first   great  singer  to  make   best  selling  records  and  become  a  household  name,  although  many  other  great  singers  also  made  recordings.  Several  years ago,  RCA records, which  recorded  Caruso  made  a  multi  CD  set  of  all  of  Caruso's  recordings  available.

   It  was  still  very difficult  to  record  orchestras,  though,  but  with  the  invention of  electical  recordings,  orchestras  could  now be  heard  in  greater  fidelity,  and  such  podium  giants  as  Toscanini,  Furtwangler,  Walter, Stokowski,  Beecham, Monteux,  Weingartner,  and others  began  to record  complete  symphonies  and other  works.  Then  came  LPs, and  an  ever  greater   variety of  classical  repertoire  became  available,  and  many  operas  were  recorded  complete.

   Now  skip  to the  digital  age,  and consider  how  ubiquitous  classical  music is  today, both  live  and recorded.   There  are  now  more  orchestras  and opera  companies  than  ever  before, as  well  as  chamber  ensembles  such as  string  quartets,  and more  solo  pianists,  violinists,  cellists,  flute,  and  clarinet  players   appearing  everywhere.  And  despite  the lasting   popularity of  music from  the  past, there  are  more  composers  than ever  before, and  not only  white  males.

  We  can  hear  more  ancient  music  than  ever  before ;  composers  from  the  distant past ,  500  or  more  years   removed  from us.   There  are  groups specializing  in  early  music  and  who  have   done painstaking  research  into trying  to  recreate  it  as faithfully  as  possible.  And  there  are  ensembles  which   are  devoted  to  the   latest  music  by  living  composers.  There  is greater diversity  of  repertoire  available  to  us  than  ever before  in  the  history  of classical  music.

   There  is  an  absolutely  mind-boggling variety of  classical   music  on  CD,  and   the  repertoire  on  DVD  is   constantly  growing.  There  are  classical  radio  stations,  and  an  enormous  number of  classical  websites  and blogs.  Many  concerts  and  opera  performances  can  be  heard  and  seen  on  the  internet. 

   There  are  not  many  record  stores  left  selling  classical  CDs  and DVDs, but  websites  such  as  arkivmusic.com   give  us  infinitely  more  to choose  from  than  any  record store ever could.   The  Metropolitan  Opera  has  started  High  Deinition  broadcasts   of  some  of  its  performances  to  movie theaters  all  over  the  country,  and  now  Europe  and elsewhere.  If  you  want  to  attend  a  first-rate orchestra  concert  you  don't have to  live  in  New  York, Chicago, Boston, Los  Angeles  or   major US  cities.  There  are  fine orchestras  all  over  the country,  and the  number  of  operaq  companies   has  grown  exponentially. 

   Yes,  there are  those  who  complain  about   the  supposed   narrowness  of the  classical repertoire,  the  alleged  neglect  of  new music,  the  graying of audiences  and lament  orchestras  in financial  trouble  and threatened  with   going  under.  But  we  must  count  our  blessings.

  

  

  

Posted: Nov 27 2008, 08:25 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
How Important Is Accuracy In Performing Classical Music ?

   If  you  attend a  live  performance  by  a   pianist   or  other  insrumentalists,  or  an  orchestral   concert  or  the  opera,  you  hope  that  the  performance  will  not  be  a disaster.  You  know,  the  kind  in  which  a  singer  struggles  with  high  notes,  can't  sing  on  pitch,  the  conductor  is  unable  to  co ordinate  the  orchestra  with  the  singers,  a  concert  where  the  horn   misses  most  of  the  notes,  a  pianists  hits  thousands  of clinkers  etc. 

   Yes,  accidents  happen   at  performances.  I've  attended   performances  where  things  when  wrong, and  played   concerts  where   everything  was  not  up  to  snuff   myself.   Less  than  ideally  polished performances  can   be   a  trying  experience,  although   perfection   should  not   be  the  ultimate  goal.

   Recordings  produced  under  controlled   conitions   can  spoil  us  listeners  when  we  go  to  live  performances.  The  recording  engineers  and  producers  can  edit  together  an  artificially  perfect  performance  from  many  different   takes  of the same passage.  Some  so-called  live  recordings  by  orchestras  have had  mistakes  edited  out   at  patch-up  sessions  after  the  concert ! 

   There's  a  funny  story  about  the  once  famous  Polish  conductor  Artur  Rodzinski  (1892 - 1958 ),  who   held  music  diretorships  of the  Cleveland  Orchestra  Chicago Symphony  and  New  York  Philharmonic  during  his  career.  He  was  scheduled  to  do  a  recording  session  with  an  unamed  pianist   and  an  orchestra   of  the  two  Chopin  piano  concertos.  But  the  pianist  turned  out  to  be  woefully  uncertain  in  technique.Don't  worry  ,  said  the  recording engineer;  we'll   just  stitch  a  note-perfect  performance together by  editing  different  takes 

  When  the  final  product  was  ready,  Rodzinski  and  the  pianist  listened  to it.  The  conductor  said   "It's  wonderful !  Don't  you wish  you  could  play  like  that ?"   Yes,  many  musicians,  aspiring  students  in  top  music  schools,  critics  and  others  are   obsessed  with  speed  and  accuracy.  But  what  really  matters  is  the  SPIRIT  of the  performance,  many  remind  us.  Who  cares  if  every  note is  not  in  place  in  the  passion of   the  moment ?   Let  the  chips  fall  where  they may !

   There  are  those  who  judge  pianists  by their  ability  to  play  the  most  flashy  virtuosos  stuff  with   speed  and  accuracy,  and   legends  such  as  Vladimir  Horowitz,(1903 -1989 )   are  held  up  as  paragons   of  musical  virtuoisity.  But  the  once  famous  pianist  Artur  Scnabel  (1882 - 1951 )  the  first   pianist  to  recod  all  32  Beethoven   piano  sonatas  (stiill  available)  was  no  spectacular  technician. Other  pianists,  living  and  dead   could  play  circles around  him.  He  wasn't  interested  in  flashy  technique  for  its  own  sake.  To  him  and  his  admirers, it  was  the  music  that  counted,  and  getting to  the  heart  of  it. 

   Schnabel  avoided  flashy  , superficial piano  works and  concentrated  on  Beethoven,  Mozart,  Schubert  and  Brahms.  He  didn't  like to  practice  much,  and  his  performances  could be  full  of  missed  notes.  But  audiences  didn't mind.  Schnabel  concentrated  on  the   meaning  of  the  music.  Once  critic  has said  that  Schnabel's  recording of  the   fiercely  demanding   Beethoven   sonata  no  29,  known as  the  "Hammerklavier"  has  "fewer  of  the  notes, but  more  of  the MUSIC"  than  any  other recording  of this   Mount Everest  of  piano sonatas.

  French  hornists  in  top  professional  orchestras,  particulary  principal  ones,  go  through  constant   worry  about  whether  they  will  hit  all the notes  without  a  clam, particularly  in  exposed  solos.  But  critics  shouldn't  complain  about an  occaisional  missed  note  at  a  concert;  what  matters  is -  did  the  overall perfornace   bring  the  music vividly  to  life ?  Who  cares  if  a horn  player  misses  a  note?   If  some   of these  critics would  take  a  lesson or two  on  the  horn,  they  might  come  to  see  how  difficult  it is to  play this  instrument.

   Perfection in  musical  performance  is  a  desirable  goal,  but  it's  the  spirit,  and  not  the  letter  that  counts.

  

Posted: Nov 26 2008, 08:27 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
HIP , Or "Historically Informed Performance "

   In  the  last  30  years  or  so,  the  classical  music  world  has  been   tranformed  by   a  movement  which  has  sought  to  recreate  the  music  of  bygone  eras  as  closely  as  possible,  using  ancient  instruments  or   carefully  reconstructed  copies  thereof,  doing  extensive  research  into   performing  styles  of  the  past,  and  studying  musical  treatises  from  long  ago.  Some  have  called  this  "Historically  informed  performance".

   The  movement  has   stirred  a  considerable  amount  of  controversy;  some  critics  and  listeners   find  the   performances  on  period  instrumets delightful  and  refreshing,  others  have   contemptuously  rejected the  whole   movement  and   pour  scorn  on  these  scholarly   performances  and  recordings,  and  others  have  mixed  feelings   about  the  whole  matter,  including  yours  truly.  Some  people,  including  myself,  find  the  pronouncements  of  HIP  musicians  about  their  so-called  "authenticity",  and  the  superiority  of  old   instruments   irritatingly  smug,  arrogant  and  self-congratulatory.  The  very  term  "Historically  Informed  Performance"  implies  that  those  who use modern  instruments  are  uninformed,  which is  not  necessarily  the  case.

   Throughout  the   20th  century,  orchestras,  conductors  and   soloists  have  been  performing  the  music  of  Bach,  Handel,  Haydn,  Mozart,  Beethoven  and  other  composers  of  the  past  on instruments  of  our  time  which  are   very  different  from  those  of  the  past.  And   interpretive  styles  have changed  also.  You  might  compare  this   with  actors   today  who   perform  the  plays  of  Shakespeare  without   the  same  pronunciation       used   in  the  Elisabethan  era,  which  was  quite  different  from  modern  English,  and costumes, sets  and  stagings  vastly  different  from  Shakespeare's  day.

   Today,  mainstream  string  players  use   strings  made  out  of  steel  or  nylon ;  until  the  20th  century,  strings  were  made  from  the  guts  of  sheep,  and  there  were  other  differences  in  the  instruments,  also.  Vibrato  was  used  much  more  sparingly  than   today,  but  not  totally  absent  as  some   HIP  musicians  advocate  today.  Wood  wind  instruments  were  simpler  and  had  fewer  keys.  Horns  and  trumpets  lacked  valves,  could  not  play  all  the  notes  of  the  scale,  and  had  too  change  to  different  lengths of  tubing  every   time    players  performed  music  in  a  different  key.  Tympani, or  kettle  drums,  were  covered  with  leather instead  of   plastic.  Harpsichords  are  now  widely  used,   as  well  as  early  pianos,  which  sound  quite  different  from    modern  ones.

   The  premises  of  the  movement  are,  that  if  we  do  scrupulous  research,  follow   the   dictates  of  eminent  musicologists,  and  use  the  instruments  of  the past,  we   will   get  rid  of  all  of  the  encrustaions  of  tradition,  and  reveal  the  music  in  all  its  glory,  as it  was  in  the  past,  just  as  a  great  painting  restored  from  centuries  of  grime.   But  these  are  questionable   assumptions.  How  do  we  know  what  long  dead  composers  would or  would  not  have  approved of  when  it  comes  to  performing  their  music ?  How  do  we  know  that  old  instruments  or  copies  thereof  sound  exactly  as  they  did  in the  past,  and  that  that  the music  is  being  interpreted  exactly  as  the  composers  would  have  wanted  and  expected ?

   It  has  certainly  been interesting  to hear  what the  music  of  the  past  might  have  sounded  like,  but  that  is  exactly  what  we  are  hearing;  what it  MIGHT  have  sounded  like.   After  all,  we  don't have  a  time  machine  yet.  Now  that  would  be  fascinating ;  to  hear  how  close  the   HIP  performances  have  actually  come  to   recreating  the  performance  styles  of  the  past.  Personally  I  have  found  SOME  of  these  perfomances  enjoyable,  but  some  have  merely  thrown  the  baby  out  with  the  bath  water.  And  I  still  don't  mind  hearing "Inauthentic"  modern  performances.

   There  are now  many   period  instrument  orchestras and  chamber  ensembles  in Europe, America,  Canada and  even  Japan,  with  such   fanciful  and  sometimes  pretentious  names  as   "The  Orchestra  of  the  Age  of  Enlightenment,  Orchestra of the  18th  Century,  Concentus  Musicus,  Vienna,  Orchestre  Revolutionaire   et  Romantique"  etc,  performing  under  the  leadership  of  distinguished  HIP  musicians  as   John  Eliot  Gardiner,  Nikolaus  Harnoncourt,  Christopher  Hogwood,  Roger  Norrington, Frans  Bruggen,  William  Christie,  and  others.  These  groups  have  made  an  enormous  number or  recordings,  some of  them  best-sellers,  and  have  toured  widely.

   The   movement   originally  started   with  the  music  of  the  18th  century  and  before,  but  has  expanded  into  19th  century   romantic  music,  and  even  early  20  th  century  music.  We  can  now  hear supposedly "authentic" performances  of   Brahms,  Wagner,  Berlioz,  Bruckner,  Mahler,  and  even  Gustav  Holst  of  "Planets" fame,  who  died  as  recently  as  1934 !  

   This  is  interesting,  but  the  later  HIP   extends,  the  less  difference  there  is  between  old  and  modern  istruments.   Other  changes  in  performing  style  are   tuning  to  a  lower  pitch  ,  generally  around  a   half  tone  lower  than  the  present  day,  so  that  a  piece  in  C  major  sounds  like  B  major  to  some  one  with  perfect  pitch,  the  use  of  tempi  that  are  considerable  faster  than  today,  and  ornamneting   works,  which  was  expected.  Composers  would often   provide  a   bare  melodic  line,  and  expect  performers  to   improvise  spontaneous  ornamention  of  that  line.  This  is  especially  important  in  18th  and  early  19th  century  opera.

   But  none  of  this  means  that  old  "inauthentic"  recordings  by  great  musicians  of  the  past  such  as   harpsichordist  Wanda  Landowska   and  Pablo  Casals   the  eminent  Spanish  cellist,  who  flourished  in  the  earlier  years  of  the  20th  century   are  no  longer  valid.  Great  musicianship  is  great  musicianship.   We  can  now  hear   performances  of  the  symphonies  of  Haydn,  Mozart  and  Beethoven  opn  period  instruments,  but  we  also  have  classic  recordings  of  them  by such  great  conductors  as  Bruno Walter, Arturo  Toscanini,  Sir  Thomas  Beecham,  Otto  Klemperer,  Wilhelm Furtwangler and  other  podium  giants,  as  well  as  more  recent  recordings  which  use  modern  instruments  but  which  follow  some   musicological  evidence  of  the  past such  as   performances  by   eminent  living  conductors   such  as  Sir  Neville  Marriner,  Raymond  Leppard  and  others.

   You  can  hear  a  variety  of  different  recordings  and  make  up  your  own  mind.  No  one  has  a  monopoly  on  the  right  way  to  perform  the   music  of the  past,  living  or  dead.

Posted: Nov 25 2008, 09:26 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Despite Problems, Classical Music Flourishes In America

   In newspapers  and  on  the  internet,  there  seems  to  be  a  great  deal of  bad  news  about  classical  music  in  America,  and  even  in  Europe.   Orchestras  are  floundering  and  going  out  of  business;  opera  companies  are  forced  to  cancel   ambitious  and  expensive  new  productions.  Some  orchestras   are   on  strike  and   being  torn  apart  by  internicine  squabbles.

   The  New  York  City  opera  in  Lincoln  Center  was  looking  forward  to   a  new  general  manager,  the  controversial  Belgian  arts  administrator  Gerard  Mortier.  But  unfortunately,  he  decided  to  resign  before  taking  over  a  couple  of  weeks  ago,  because   the  company  simply  could  not   find  the  funding  for  his  ambitious  plans   for  it.  Mortier  complained  that  the  smaller  regional  opera  companies  in France  receive  much  more  government  funding  than  the  important   New  York  City  opera !    And  he  is  right.

   Because  of  this,  ambitious  productions there  such  as  Messiaen's  only  opera  "Saint Francis",  and  others  are  in  limbo,  as  well as  two   comissioned  but  as  yet  unwritten  operas.

    The  Metropolitan  opera  was going  to  revive  its   acclaimed  production  of   "The  Ghosts  of  Versailles"  by   the  distinguished  American  composer  John  Corigliano  next  season,  which  was  premiered  there  in  1991.  But  financial  problems   forced  the  Met  to  cancel  it,  and  replace  it   with  Verdi's  familiar  "La  Traviata".  The  Corigliano  opera  is  a  lavish  spectacle  and  very difficult  to  cast.  Other  top  opera  companies in  San  Francisco  and  Chicago  etc  are  feeling  the  financial  crunch.

   The  orchestras  of  Cincinnati,  Columbus  Ohio,  Charleston  South  Carolina,  Honolulu,  Shreveport  Louisiana  and  elsewhere  are  in   financial  trouble.  The  Columbus  orchestra  went  belly  up,  but  was  revived  at  the  last  minute  but  with  reduced  musician  salary  and  fewer  concerts  per  year.

   Despite  all  this,  classical  music   continues  not  merely  to  survive,  but  flourish.  This  season,  there  will  be  as  many  as  35,000  classical  performances   throughout  the  nation !    A  century  ago,  there  were  only  a  tiny  fraction  of  this  number.

   Opera  is  more  popular  than  ever  in  America ;  until   recently,  the  only  important  opera  companies  in  the  US  were the  Metropolitan  in  New  York,  the  New  York  City  opera,  and  the  Chicago  and  San  Francisco  companies.  Now   there  are  opera  companies  in  all  50  states,  and   cities  such  as  Dallas,  Houston,  Seattle,  Washington,  Pittsburgh,  Philadelphia,  Minnesota ,  Baltimore etc  are  flourishing  centers  for  opera. 

   Summers  are  no  longer  off  season  for  classical  music.  There  are  great  festivals  in  Tanglewood,  Mass,  Aspen,  Colorado,  Santa  Fe,  New  Mexico ( for opera, ) Saratoga,  NY,  and  elsewhere.  Mostly  Mozart is  internationally  famous  and  has   inspired  similar  Summer  festivals.

   Despite  financial  problems,  there  are  about  350  professional  orchestras in  America,  and  many  smaller  ones,  more  than in  any  other  country.  The  so-called  "Big  Five"  orchestras in  America;  New  York  Philharmonic,  Chicago  Symphony,  Boston  Symphony,  Cleveland  Orchestra,  Philadelphia  orchestra  are  no   longer   considered the  very  best;  there  are  world -class  orchestras  in  Los  Angeles,  San  Francisco,  Pittsburgh,  Minneapolis,  Detroit,  St. Louis,  Seatlle,  Dallas,  Houston,  Baltimore,  Atlanta  and  other  US  cities.

   So  let's  be  grateful  for  what  we  have,  and  hope  for  the  best. 

  

Posted: Nov 24 2008, 08:35 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Complexity And Simplicity In Classical Music

    It's  fairly  safe  to  say  that  classical  music  is  on  the  whole  much  more  complex  than  pop  or  rock  etc,  and  within  classical  there  are  many  degrees  of  complexity,  ranging  from  something  as  simple  and  straightforward  as  a  concerto  by  Vivaldi  or  Mozart's  famous  serenade  for  strings  "Eine  Kleine  Nachtmusik,"  to  the  unbelievably intricate  music  of   contemprary  composers  such  as  Elliott  Carter,  Pierre  Boulez  and  others. 

   In  classical  the  harmony  is  usually  much  more  complex,  and  there   are  often   many  different   lines of  music  going  on  simultaneously,  and  works  can  last  more  than  an  hour  or  so.  And  there  aren't  just  melodies,  but  themes   which  undergo  constant  transformation.  The  score  of  a  Mozart  or  Haydn  symphony from  the  18th  century will  consist  of   only about eight  or  nine   parts   written  top  to  bottom,   but  the  score  of  a  Mahler  symphony  or  Richard  Strauss  tone  poem   will  have  as  many  as  30  or  more  different   parts  going  on  simultaneously  in  the  score.  

   But  complexity  in  classical  music  is  nothing  new.  Composers  of  the  Renaissance   wrote  choral  music  of   dauntingly complex  polyphony,  and  in  the  first half  of  the  18th  century,  Bach  wrote  many  fugues  and  other  contrapuntal   works  of   great  intricacy.

   In  the  20th  century,  the  American  composer  and  critic  Virgil  Thomson  (1896- 1989 )  aimed  at  writing   music  of  deliberate  simplicity   in  reaction  to  some works  his  time   whose   exagerrated  complexity  he  considered  pretentious. In  the  1930s,  he  colaborated  with   Gertrude  Stein  on  a  curious   abstract  and  surrealist  opera  called  "Four  Saints  in  Three  Acts".   The  opera  is supposed  to  represent  the  life  of  the  saints,  but  has  no  plot,  and  the  words  are   deliberately   nonsensical  and  meaningless,  with  lines  such  as  "Pidgeons  on  the  grass  alas,  and  a  magpie  in  the  sky".  Thomson  used   deliberately  simple  harmonies  and   music  remeniscent  of  the  hymn  tunes  he  knew  from  his  youth  in  the  midwest.   The  opera  had  considerable  success   at  its  premiere,  but  has  not  been   revived  very  often  since. 

   Later, composers  such as  Philip  Glass  and  others   created  the  so-called   minimalist  music   which   has  been  widely  performed  and  recorded   in  our  time,  and  uses   constant  repetition  with  slow  and  subtle  changes.

   However,  the  English  composer   Brian  Ferneyhough  (1943-)  has  deliberately   written music  of  such  complexity  that  is is  virtually  impossible  to  perform.  I  haven't  actually  heard  any  of  his  music,  but  have  seen  some  printed   examples  of  it,  and   it   appears   to  be  mind-bogglingly  difficult.  This  kind  of  music  has  been  given  the  German  name  "Augenmusik",  or  music  for  the  eyes,   that  is, music  which  is  so  complex  it's  interesting  just  to  look at   on  paper.  However,  this  is  no  guarantee  that   the  music  will  be  interesting  to  listen  to !  

   But  complexity  or  simplicity  by  themselves   are  not  the  criteria   by  which  we  should  judge  classical  music.  We  must  consider  each  work  on  its  individual  merits.

Posted: Nov 23 2008, 08:24 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Politics and Classical Music - More Comparisons

    Just   as  in politics,  there  are  conservatives,  liberals,  radicals ,  lame  ducks  and  mavericks  in  classical  music.  The  liberals in  classical  music  might  better  be  called  radicals,  and  others  might  be  better  described  as  independents.  These  include  composers,  instrumentalists,  conductors,  and  critics.

  Musical conservatives  and  radicals  go   back  centuries.  Some  composers  have  started   out   radical  innovators and  ended  up  as  conservatives  as   they  aged,  and  new  musical  trends  ememrged. 

   Beethoven   started  writing  music   in  the  style  of  his  older  contemporaries  Haydn  and  Mozart;  then  he  wrote  revolutionary  works  such  as  the   "Eroica"  symphony  (his  third),  the  fifth,  in  which  trompones,  piccolo  and  contra  bassoon  were  used  for  the  first  time  in  a  symphony,   and the  monumental  and  unprecedentedly  long  9th  or  choral  symphony.  The  complex   structures  of  his  innovative  works  baffled  many  listeners  and  critics.  Some  even  questioned  his  sanity !

   In  France ,  Hector  Berlioz  (1803- 1869 )  used  the  orchestra  to  paint   colors  that no  composer  had  ever  depicted  before,  and  often  used  gigantic  orchestras  and  choruses   with  unusual  new  instruments  in  the  orchestra.  His  contemporary  Felix  Mendelssohn  (  1809 - 1847),  a   much  more  conservative  composer,  was  scandalized  by  boldness and  wild  imagination  of  Berlioz,  and  called  his  music  vulgar and  uncouth.

   The  legendary  Hungarian born  pianist  and  composer  Franz  Liszt (  1811- 1886),  and  the  radical  German   Richard  Wagner  (1813-1883),  who   became  Liszt's  son-in-law,  founded  the  so-called   "New  German"  school,  and  Wagner   wrote  what  was  called"The  Music  Of The  Future"  in  his  monumental  and  harmonically  innovative  operas.  Many  were  appalled by  this  kind  of  music,  calling  in  deafening  and  incomprehensible.  Wagner  even  participated  in  an  uprising  in  Saxony  in  the  1840s  and  had  to  flee  to  Switzerland  to  escape   being  imprisoned.  

   Liszt  invented  the  symphonic  poem,  or  tone  poem,  a  one  movement  orchestral  work   telling  a  story,  portrarying  nature,  expressing  philosophical ideas  etc.  But  conservative  Johannes  Brahms  (1833-1897),  avoided  program  music  and   outlandish   new  harmonies  and   concentrated  on  symphonies,  concertos,  chamber  music,piano  works,  songs  and  choral  works  etc.

   In  the  late  19th  century ,  Viennese  born  composer  Arnold  Schoenberg   (1874 -1951 )  started  out  writing  lush.  late  romantic  music ,  but   became  a  radical,  and  started writing music  which  abandoned  any  sense  of  being  in  a  key  in  the  early  20th  century,  and  invented  the  12-tone  system  of  composing,  in  which  the  12  tones  of  the  chromatic  scale  C-C   are  arranged  into  constantly  manipulated  rows.  His  two  most  famous  pupils  Alban  Berg  and  Anton  Webern,  took  up  his   composing  system  and  made it  their  own.

   In  France,  Claude  Debussy  (1862-1918 )   created  a   sensuous  and  evocative   "impressionist"  music,  influenced  by   Asian   music,  with  vague,  floating  harmonies ,   and  he  abandones  such   traditional  forms  as  symphony  and  concerto  etc, with  their   clear  cut  structures,  making  music  more   loosely  constructed   and   concentrating  on  sensuous  color.

   But  many  listeners  were  baffled  and  hated  the   new  music,  and  many  still  find it   disturbing.  Russian  born  Igor Stravinsky  (1882-1971)  was  a  kind  of  musical  chameleon,  starting  out  as   a  Russian  nationalist,  and  writing  the  fiercely  dissonant  and  rhthmically  jagged  Rite  of  Spring,  and  then  becoming  a  sort  of fashionable   Picasso  of  music,  writing   "Neo-classical"  music  mixing  old  and  new   compositional techniqes. In  his  later  years,  he   adopted  the  12  tone   method,  but in  his  own  way, just  as  many  opther  composers.

   Other  composers  never  abandoned   the sense  of  music  ina  key,  such as   Russian  Sergei  Rachmaninov  (1873-1943,  Frenchmen  Poulenc,  Milhaud,  Prokofiev (even if  some  of  his  early  works  are highly  dissonant),  Elgar, Vaughan  Williams,  Britten ,  of  England,  Leonard  Bernstein,  Walter  Piston,  Samuel  barber  and  others  in  America  etc.

   Charles  Ives  (1874-1954)  was an  American  maverick,  mixing   folk  tunes,  hymns,  dissonant  polyphony  etc  into a  wild  mish  mash,  and  anticipating  later  develpments in  music.  Other  composers  experimented  with   electronic  music ,  such as  French-born  American  based  Edgard  Varese  (1883-1965),  sometimes  mixing  electronics  with  acoustical  instruments.   But  American  composer  and  critic  Virgil  Thomson   (1896-1989 ),  wrote  quaintly  folksy  American  style  music  with  Frewnch  influences,  as  he  had  studied  and  lived  in  France.

   Radical   Frenchman  Pierre  Boulez  (1925-),  also  a  famous conductor,  adopted the  12  tone  technique   into  (total  serialism",  in  which  not  only  pitch,  but  rhythm,  duration  and  other  elements  are  tightly  controlled,  and  the  music  extremely  complex  and un  melodic.  He  was arrogant  and  dogmatic, and  poured  scorn  on  conservative  composers  who  did  not  adopt  his  radical  methods.  Meanwhile,  the  conservative  American  composer  and  writer  Ned  Rorem  (1923- ),  poured  his  scorn  on  "  serial  killers",  who  write  boringly  arid  stuff  audienced  don't  want  to  hear.

   American  Elliott  Carter,  who  turns  100  next  month,  started  writing  conservative folksy  music  and   developed  his  own  radical  atonal  but  not  12  tone  style  with  incredibly  complex  rhythms  and   different   instrumental  lines  proceeding  at  their  own  pace  within  a  work.   Despite  this,  his  music  is  being  celebrated  and widely  performed  currently.  Other  mavericks  include  Olivier  Messiaen,  Stockhausen, John  Cage,  Conlon  Nancarrow,  and  minimalists  Philip  Glass  and  Steve Reich.

   Among  performing  musicians,  there  are   lame  duck  conductor  Lorin  Maazel  ,  about  to  give  up  his  music directorship of  the  New  York  Philharmonic  to  the  younger  and  more  adventurous  Alan  Gilbert.   Some   musicians  are  more  conservativve  in  their  repertoire,  and  perform  little or  no  new  music,  such  as   the  recently  deceased conductors  Carlo  Maria  Giulini  and  Carlos  Kleiber,  or  violinist  Itzhak  Perlman,  now  active  as  a  conductor  also.  The  late ,  great tenor  Luciano  Pavarotti   limited  himself  to  a  relatively  small  number  of  operatic  roles  from the past,  but   Spanish  tenor  Placido  Domingo  is  much  more  versatile  and  has  sung  a  number  of  operas  by  contemporary  composers,  including  roles written  with  him in  mind.  Latvian-born  violinist  Gidon  Kremer,    is  very  interested  in  contemprary music,   and  has  championed  a  variety  of  leading   composers  of  the  day.

   Certain  conductors  are  staunch  champions  of  new   works,  even if  they  still conduct  older  music,  such  as  Americans  Michael  Tilson  Thomas,  Leonard  Slatkin,  David  Zinman,  Marin  Alsop,  Gerard  Schwarz,  James  Levine, Alan  Gilbert,  England's  Simon  Rattle,  and  Europeans  Riccardo  Chailly,  Pierre  Boulez,  Michael Gielen,  Christoph von Dohnanyi,  Christoph  Eschenbach  and  others,  and  Argentinian  born  Daniel  Barenboim.

   Some  music  critics,  such  as   19th  century  Viennese   Eduard  Hanslick, were  conservative  and   were  hostile  to  new  musical  trends.  Hanslick  praised  the  conservative  Brahms  and   famously  opposed  Wagner  and  Bruckner  etc. 

   More  recently,  Harold  C  Schonberg,  chief  music  critic  of  the  New  York  Times  from  1960  to   80,  was  hostile   to  many  important  contemporary  composers,  but  not  all.   Other  criticsa  have  been  more  receptive  to  new  trends.   There  are  all   manner  of   viewpoints and  stances  in  classical  music,  just  as  in  politics.

  

   . 

Posted: Nov 22 2008, 08:21 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Making Cuts In Operas - A Controversial Matter

   It's  long  been  customary  in  opera  houses  everywhere  to  makes  cuts  in  certain  operas  for  a  variety  of  reasons.  It's  not  nearly  as  common  in  orchestral  music,  although  conductors  have  been  known  to  makes  cuts in  symphonies  and   other  orchestral  works.

   Not  every  one  agrees  over   which  cuts  are  good  or  bad  in  every  opera;  usually  conductors  decide   before  rehearsal  starts,  often   keeping  individual  singers  in  mind.  Some  critics  and  musicologists  object  strongly  to  certain  cuts  in  certain  operas;  sometimes  conductors   decide  to  use  the  complete,  uncut  version .  Some   complete,  or  more  or  less  complete  studio  recordings  of  operas   make  cuts,  and  others  don't.  Some  recordings even  include  extra   music which  was   deleted  by  the  composers  themselves.  You  are more  likely  to  get  an  unabridged   performance  of  certain  operas  on  recordings  than  live.

   Some  operas  are  extremely  long,  such  as  William  Tell  by  Rossini,  best  known  for  its  overture  once  heard  on  the  Lone  Ranger.   This  is  a  great  opera,  probably   his   crowning  masterpiece,  and rarely  performed,  and even  more  rarely  uncut.  The  distinguished  Italian  conductor  Riccardi  Muti ( 1941 - ),    who  is  set  to  become  music  director  of  the  Chicago  Symphony,  has  a  reputation  as  a  purist  who  always  tries  to   use  the  most  complete  text  possible, and  avoid  opera the house  routine  of  cuts,  alterations   and  musical  expedience.  The  is  a  DVD  of his  complete  performance  of  William  Tell  from  MIlan,  once  available  on  CD  too.

   Wagner  operas  are  not  only  extremely  long,  but   extremely  taxing  for  the   lead  singers;  therefore  cuts  have often  been  made  in works  such  as  Tristan & Isolde and  Die  Meistersinger   to  avoid  singer  fatigue.  This  is  unfortunate,  because  audiences  lose  a  lot  of  great  music.  This  does  not  usually  happen  at  the  Bayreuth  Festival   in  northern  Bavaria,  where  the operas  are  produced  under  special   festival  conditions  with  hour  long  intermissions.

   When  I  used  to  play  operas,  we   pit  musicians  often  had  cuts   marked  in  our  parts.  In  some  operas, entire  scenes  have  been  known  to  be   omitted,  such  as  in  the  Gothic  Scottish   opera  "Lucia  Di  Lammermoor, " by  Donizetti,  where  a  scene   where  the  hero  and   villain   (tenor  and  baritone)  angrily  confront  each  other   on  a"dark  and  stormy  night".  Too,  bad;  it's  an  effective  scene  and  adds  to  the  opera.

   In  operas of  the  Baroque  period,  which  generally  consist  of   an  endless   series  of  solo  arias  with  an  occaisional duet  or  enseble  piece   separated  by   what  is  called  "Recitative",  or  a  non  melodic  kind  of   singing  accomapnied by  harpsichord  and  and  perhaps  a  stringed  instrument,  which  represent  dialogue between  arias,  it's not  uncommon  for  entire  arias  to  be  omitted  for  time's  sake.

   In  some  cases ,  composers  have  approved  of  certain cuts  in  their  operas, or  at  least  accepted  them  reluctantly.  In  other  cases,  certain  cuts  became  customary   after  the  composer's  deaths.  For  example, in  some  Verdi  operas,  a  character  will  sing  a  lyrical  aria,  which  is followed  by  what  is  called  a  "Cabaetta"  or  faster   concluding  section  with   galloping rhythms .  In  some  cases,  the cabalettas  are  omitted.   In  some  cases,  cuts  have  been  made  simply  because  certain  singers  were  just  not  up  to  the  techical  demands   of  the  roles.

  Today,  many  conductors  are  interested  in  musicological   research, and  have  opened  up  many  traditional  cuts,   although   it's  simply  impractical  to  expect  every  opera  to  be  done  note  complete. 

Posted: Nov 21 2008, 08:23 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
When Composers Revise Their Works

   If  you  get   CDs  of  certain  operas  and  orchestral  works  etc,  you  may  notice  in  some  cases   that  the   booklet   says  that  that  this  recording  uses  the "Original  Version"  of    this  or  that   work.   This   can  be  really  interesting,  if  complicated  and  sometimes  confusing.

   Over  the  centuries,  many  composers  have  been  compelled  for  various  reasons  to  revise  certain  of  their  works,  and  therefore  opera  X  or  symphony  Y  may  exist  in  two  or  more  often  very  different  versions.   Opera  is  very  similar  to  broadway  shows  in  that  composers  have  often   made  cuts,  additions  and  all  manner  of  adjustments   to  fit  this  or  that  singer,  or  because  the  original  version of  an  opera  was  a  fiasco.

   Composers  such  as  Mozart  would  would  custom  tailor  their  operas  for   particular  singers,  writing  vocal  roulades to  show  off  their  voices.  Other  times,  they  were  stuck  with  less  than  great  singers  who  simply  weren't  up  to  the  deamnds  of  a  particular role,  or  certain  arias.  So  they  would  simplify  certain  arias  or  just  omit them  ,or  write  new  music.

   Sometimes  versions  of operas  are identified  with  the  city  where  there  were  premiered.  Orfeo & Euridice  (Orpheus  and  Euridice  by   Christoph  Willibald  Gluck  (1714 - 1887 ),  is  one of  the  earliest  operas   to  maintain  a   lasting  place  in  the  repertoire.  It  was  first  heard  in  Vienna,  and   Gluck   prepared  a  revised  version  some  years  later   for  Paris,  in  French.  Sometimes   performances  today  mix  elements  from  different  versions.

   Italian  opera  composers  of  the  19th  century  were  constantly  revising  their  operas   for   different  singers  and   for different  productions   in  different  cities.  Rossini,  Donizetti,  Bellini  and  Verdi   did  this  constantly,  and  musicologists  today   have  a  field  day  doing  research  into  the  different  versions  and  variants,  preparing  them  for   publishing  etc. 

   Giuseppe  Verdi   made  revised  versions  of  several  of   his  operas  such  as  Macbeth,  La  Forza  Del  Destino,  and  Simon  Boccanegra.   I  recently  heard  a  recording  of  the  rarely  heard  original  version  of  La  Forza  Del  Destino,  which  was  comissioned for  the  St. Petersburg  Imperial  opera  in  Russia.  This  is  a  tragic  tale  of   a   young  man  from  South  America,  half  Inca, who  falls  in  love  with  a  young  Spanish   noblewoman,  but   who  accidentally  kills  her  father.  Her  vengeful   brother pursues  the  two  throughout  the opera ,  determined  to  kill  them  both  to  avenge  the  family's  honor.   In  the  familiar  version,  the  brother  kills his  sister,  but  is  killed  by   her  lover ;  in  the  original,   the  lover  commits  suicide  by   jumping  off  a  cliff,  unlike  the   familiar  version,  where   a  priest  who  has been  observing the  tragic  situation  attempts  to  console  him   by  telling  him  that  she  has  finally  found peace  in  Heaven.  Pretty  melodrammatic  stuff !

   I  also  have  the  original  version  on  CD  of  the  famous  opera  Madama Butterfly   by  Puccini.  The  original  version  premiered  in  the  Italian  city  of  Brescia  was  a  fiasco,  and  Puccini  revised  the  opera  extensively,  adding  and  deleting  music   and  scenes.  The  familiar  version  was  premeiered   successfully  at  the   historic  La  Scala  opera  in  Milan.  My  Cd  recording  can  be  programmed  to  show  all  the  different  musical variants,  or  just  play  the   standard  version.  Even  today,  opera  composers  revise   their  operas ,  often  after   perceived  weaknesses  in  the  libretto  or  music  have  been  pointed  out  by  critics  and  others.

   Beethoven's  only  opera  Fidelio  went   through  a  number  of  changes  before  it   took  its  definitive  form ;  it  was  originally  called  Leonore ,  the  actual  name  of the  woman who  disguises  herself  as  a  jailor's  assistant to  rescue  her  husband,  a  political  prisoner  in  Spain.  She  disguises  herself  as  a  young  man, and  calls  herself  Fidelio.

  

   Symphonies  and  other  orchestral  works  have  often  been  revised,  too.  Best known  are  the  various  revisions  which  Anton  Bruckner  (1824 -1896 )  made  of   his  symphonies.  Bruckner   was  unsure  about  his  works,  and often   gave  in  to  pressure  from  conductors  and  friends  to revise  his  symphonies.  Sometimes., conductors  were  unhappy  with  the  original  versions,  and  Bruckner  obliged.  Others,  such  as conductors  and  Bruckner's  pupils  made  changes  of  their  own,  altering  the  orchestration  and  making  cuts.  These  adulterated  versions   used  to  be  performed failrly  often, until the  unadulterated  versions  were established.

   I  have  a  CD  of  the original  version  of  the  4th  symphony,  one  of  Bruckner's  most  popular.  The  third  movement  of  the familiar  version  is   a  scherzo  with  fanfares   evoking  the  hunt,  and  is  very  effective.  The  original   scherzo  is   a   completely  different  and  has  different  thematic  material,  and the  other  movements  are  very different  also,  even if  they  use  the  same themes.  All  of  these  revisions  have   given  musicologists,  conductors  and  listeners  considerable  trouble.  Certain  versions  are  played  more  often  because  the  parts  are   more  easly  available for  rental.

   Revised  versions  aren't  always  the  composer's own.  The  four  symphonies  of  Robert  Schumann  (1810- 1856 )  are  beloved  staples,  but  many   conductors  and  critics  are  unhappy  with  the  orchestrations,  which  are  generally  considered   faukty;  too  thick ,    mushy   and  ineffective.  A  later  composer and  symphonist,  Gustav  Mahler  (1860- 1911 ),  made  extensive  re - orchestrations,  aiming  for  greater  clarity  and   effective  sound.  The  noted  italian  conductor  Riccardo  Chailly   has  recently  made  recordings  of  these  revised  version with  the  Leipzig  Gewandhaus  orchestra  of  Germany, which  he  currently  leads.

   The  whole  issue  of  compser  revisions  is  a  complex and  fascinating  one.  It's often very interesting  to  hear  composer's  first  thoughts  about  a  familiar work.

Posted: Nov 20 2008, 08:45 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Minimalism And Classical Music

  One  of  the  most  important  and   controversial  trends  in  classical  music in  the  past   30  or  40  years  or  so  has  been  minimalism ,   a  name  taken  over  from  minimalist  art .  Minimalism   in  classical  music  has  also  been  influenced  by  popular  and  world  music. 

   After  the  heyday  of   complex  avant  garde  serialism,  some  composers  wanted  to  escape  what  they   felt  to  be  the  stultifying  influence  of   academic  complexity,  and  developed  a  kind  of   music  based  on constant  repetition,  and   returned  to   tonality.  A  seminal  work  in  minimalism  was  Terry  Riley's  IN  C,  which  can  be  performed  by   any  combination  of  instruments. 

   Later,  American  composers  such  as  Philip  Glass  (1937 -)  and  Steve  Reich  (1936-)  achieved  popularity  and   numerous  recordings.  Reich  is  interested  in  non-western  musics  and  spent  time  in  Africa  studying  African  drumming,  and  incorporates  elements  of  it  into his  music.  Glass  has  written  widely  performed  operas  such  as  Satyagraha,  The  Voyage,  Einstein  On  The  Beach,  Akhenaten  and Appamattox,  based   respectively   on  Mahata  Gandhi,  Christopher  Columbius,  Einstein,  ancient  Egypt   and  the  Civil  War,  and  a  variety  of  other  works  including  symphonies.  

   Some  minimalist  composers  have   used   electronic  special  effects  and  tape  loops  which  repeat  incessantly.  Some  listeners  find  the  constant  repetition  hypnotic and  soothing;  others  are  simply  exasperated.  The  American  composer  John  Adams  (1947 -),  started  out  as  a  minimalist  but  now   has  rejected  it,  and  has  written   the  operas  Nixon  in  China,  The  Death  of  Klinghoffer,  and  most  recently  Doctor  Atomic,  about  the   invention  of  the  atom  bomb  by   J  Robert  Oppenheimer,  as  well  as   orchestral  works  etc.

   A  number  of  prominent  European  composers have  taken up  minimalism,  such   as   Arvo  Part  of  Estonia,  John  Tavener  and  Michael  Nyman  of  England,  Henryk  Gorecki  of  Poland  and  Louis  Andriessen  of  the  Netherlands. Interestingly,  Part  and  Gorecki  started  out  writing   complex  serial  music,  but  abandoned  it.  Gorecki's  "Symphony  of  Sorrowful  Songs",  written for  soprano  and  orchestra  is  based  on   writings  of   Polish  Jews  in  concentration  camps,  and  a  recording   by  soprano  Dawn  Upshaw  and  conductor   David  Zinman  became  a  surprise  best  seller  several  years  ago.  This  ands  other  recordings  are  probably  still  available.  Arvo  Part has  used  medieval  music   as  an  influence  on  his  works.

   So  try  music  by  these  composers,  and  decide   for  yourself.  A   knock-knock   joke  goes -  Knock knock-  who's  there ?  Knock knock- who's  there ?  Knock  knock-  who's  there ?  Knock  knock-  who's  there -  Knock  knock-  who's  there ?    Philip  Glass.

Posted: Nov 19 2008, 08:28 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Please Feel Free To Ask Me any Questions About Classical Music

   Recently,  I   received  a  message from  a   reader asking  me  about the  availability   of   a  certain  classical  recording  on  casettes.  I  don't  know  about  the  availability  of  classical  casettes  today,  but  I  discovered  that  there  are  a  couple  of   websites  which  do  have them  along  with  the  usual   classical  Cds,  and  e  mailed  the  reader  with  my  findings.

   So  if  there  are  any  of  you  out  there  who  have  any  questions  about  classical  music,  or   comments,  or  would  like  me  discuss  any  aspect  of  classical  music,  please  feel  fre  to  contact  me.  I'll  be  glad  to  try  to  help  you  with  any  questions,  and  will   discuss   anything  about   classical  music.  I  look  forward  to  hearing  from  you.

Posted: Nov 18 2008, 05:47 PM by the horn | with 2 comment(s)
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Vocal Categories In Opera

  If  you  attend  opera  performances  or  read magazines  such  as  Opera  News,  you  will  hear   experts  and  fans   using   opera   jargon  about   different   voice  categories  and  operatic  roles,  so  I  thought  this  might  be  a  good  time  to  explain  some  of their  lingo.

   In  a  chorus,  there  are  soprano,  alto, tenor  and  bass  ,  but  in  opera,  there  are  a  variety  of   different  sub  categories .  For  example,  women's  voices  are  either  soprano,  the  highest,  contralto,  the  lowest,  and  mezzo-soprano,  an  inbetween  category.  Roles  such  as   Lucia  in  Lucia  di  Lammermoor   or  Brunnhilde  in  Wagner's  Ring  are  soprano,  but  there  are   different kinds  of  soprano.  

   Many  roles  in   Bel  Canto  operas  for  soprano  are  for  coloratura  soprano,  that is  one   who  sings  roles  with a  lot  of  elaborate ,flowery  and  rapid  fire  notes,  or  fioritura  (flowery)  in  Italian.  Then  there  are  lyric  sopranos,  dramatic  sopranos,  and  lyrico-spinto  sopranos.  Spinto   means  "pushed"  in  Italian,  that  is  combining  lyrical  and  dramatic  elements.  Coloratura  sopranos  can  often  sing  spectacularly  high  notes.

   Certain  sopranos  specialize,  and  others  have  the  ability  to   move  between  categories,  such  as  Joan Sutherland   of  Australia,  now  retired,  who  had  spectacular  coloratura agility  combined  with   bigness  of  sound.  But  you  wouldn't  expect  a  coloratura  soprano   specialist  to  tacle   such   roles  as  Wagner's  brunnhilde  or  Isolde  any  more  than  you  would  expect  a  featherweight  boxer  to  fight   Mike  Tyson  or   Mohammed  Ali. 

   A  Mezzo-soprano   voice  has  a  slightly  darker  coloring  and   generally  does  not  sing   notes  as  high  as  a  soprano.  The  Gypsy  seductress  Carmen  is  generally  sung  by  Mezzos, but  sometimes  by  sopranos.  Famous  mezzo  roles  in  opera  include   the  princess  Eboli  in Verdi's  Don  Carlo,  and   Laura  in  La  Gioconda,  wife  of  a  treacherous  Venetian   nobleman.  The  charming  Rosina  in   Rossini's  Barber  of  Seville  was origianlly  written for  mezzo  but  has  often  been  sung  by  coloratura  sopranos  in  our  time. 

   Composers  have  often  adapted   vocal  parts  in  operas  to  meet  the  requirements  of certain  singers   or  make  the  most  of their  abilities.  The  lowest  female  voice  is  Contralto, the  female  equivalent  of  bass.  These  roles  are  often  older  women,  such  as the  blind  mother  of  La  Gioconda  in  that opera,  or  Erda,  the  earth  mother  in  Wagner's  Ring.

   The  highest  male  voice   is  the  tenor,  unless  you   consider  the  counter  tenor,  who  uses  falsetto  and   sings  female  roles,  usually  in  18th  century  operas.  There  are  the Tenore  leggiero,  or  light  tenor  roles,  lyric  tenor,  and   Tenore  Robusto,  for  more  heroic  roles  such  as  Verdi's  Otello  and  Manrico  in  Il  Trovatore.  The  there  is  the  Heldentenor,  or  heroic  tenor  for   Wagnerian  roles  such  as  Tristan  and  Siegfried  in  the  Ring.  These  kind  of  tenors  are  not  very  common,  and  perhaps  the  most  famous   was  the  Dane  Lauritz  Melchior  (1890 - 1973 ),  a  large  man  who  was  world  famous  for   singing  Wagner.

   The  baritone  is  the  next  lowest  and   has  a  range  between  tenor  and  bass.  Famous  baritone  roles  have  been  written  by  Verdi  for operas  such  as  Rigoletto,  in  which  the  singer  must  portray  a   hunchbacked  court  jester,  and  other  operas  such  as  Iago  in Otello,  the  Count in  Il  Trovatore,  and  Macbeth  etc.   Other  juicy  baritone  roles  are  the  evil  and lecherous  Scarpia  in  Puccini's  Tosca,  the  ruthless  chief  of  police  in   Rome , and  the  bullfighter  Escamillo  in  Carmen.  The  baritone  is  often  the  buddy  a  tenor  character,  or  often  the  rival   for  the  love  of  a  woman  with  the  tenor.

   Bass  is  of  course  the  lowest   male  category,  but  there   are  roles  for  Basso  Cantante, or  lyrical  bass,  often  in  the  roles of  kindly  older  men,  and  Basso  Buffo,  or comic  bass,  in   comic  operas  by  Rossini  and  other  Italian  composers.  This  is often  the  role of  a   pompous,  bossy,  but  ineffectual  older  man  who   gets  the  wool  pulled  over  his  eyes  by  scheming   characters,  and  makes  an  ass  of  himself.  One of  the  most  famous  examples of  this  is  Doctor  Bartolo  in  The  Barber  of  Seville,  who  wants  to marry  his  ward  Rosina,  despite  her love  for  Lindoro,  the  disguised   young  nobleman,(natually  a   tenor).

   A  bass  baritone  is  a  singer  who  combines  the  range  of  a baritone  with  the  weighty   sound  a  of  a  bass,  and  the  ability  to  sing  low  notes.  The  late   Canadian  George  London  (1920 - 1985 ),  was  an  example,  and  so is  the  popular  Welsh  singer  Bryn  Terfel  of  the  present  day. 

   So  please  take all this  into  consideration  if  you  go  to  the  opera,  or  watch   it  on  DVD  Television  or  listen on  the  radio.

         

Posted: Nov 17 2008, 08:30 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
Naxos Records - The Little Label That Could

  In  a  recent  post  I   discussed how different  from  the  past  and  uncertain  the  classical  recording  industry  is  today.  Overall  sales of  classical  CDs  and  DVDs  may  be  down,  but  there  are  so  many  different  classical  record  labels  competing  for  sales.

   But  one  decided  success  story  is  Naxos  records,  founded  in  1987  by  Klaus  Heymann,  a  German  businessman  and  entrepreneur  based  in  Hong  Kong.  He  decided  to  start  a   low  budget  record  company  which  would  cut  corners  in things  such  as  pay  for  musicians,  art work  on  jewel  boxes  etc,  and  offer   affordable  classical  recordings  for  any  one. 

   So  he  started  making   low  cost  recordings  of  standard  repertoire  with  little-known  but  not  at  all  bad orchestras  in   Poland  and  Slovakia  etc,  with less than  stellar  conductors.  And  by  golly,  these  CDs  started to  sell  well.  Naxos  grew  and  grew,  and  its  repertoire  expanded  from   early  music  from  500 or  so  years  ago,  to   music  by living  composers.

   Now,  Naxos  was  able  to  record  with  prestigious  orchestras  such  as  the  London symphony  and  the  London  Philharmonic,  and  started  recording  in  America  with  the  Seattle,  San  Diego  and  Nashville  symphonies  etc. (Yes,  Nashville  has  an  excellent  symphony  orchestra ).  Well  known  conductors  such  as  Leonard  Slatkin,  Marin  Alsop  and Gerard  Scwarz  now  make  Naxos  recordings.

   There  have  been  ambitious  projects  such as  recording  a  wide  variety  of  music  by  American  composers,  including   many  long  forgotten  works.  And  numerous  operas   have  also  been  recorded  complete,  live  and  recorded  by   Verdi,  Puccini, Mozart,  Rossini,  Wagner,  Bizet, Berg  and  other  great  opera  composers. 

   On  Naxos  you  can  find  music  by  composers  from  Latin  America,  Asia,  and  forgotten  corners  of  Europe.  There   are  a  growing  number  of  operas  and  other  music on  DVD  now.   On  the  Naxos  website  Naxos.com, you  can  find  out  all  the  information  you  want,  and  listen  to   a  wide  variety  of  their  recordings,  order  CDs  and  DVDs  and  make  downloads.

   Of  course,  there  are  many  other   notable  record  labels, all  with  their own   websites,  including  such  major  and long  established  organizations  such  as   Decca,  EMI classics,   Deutsche  Grammophon,  Phillips  ,  RCA   BMG  and  Sony  Classics.  There  are  also  such  great   independent  labels  as  Chandos,  CPO,  etc,  BIS  of  Sweden,  Undine,   and  Supraphon  of  the  Czech   republic,  which  specializes  in   Czech  music. 

   You  can  also  order   an  enormous  amount  and  variety  of  CDs  and  DVDs  from  arkivmusic.com.   There's  an  embarassment  of   riches !

Posted: Nov 16 2008, 08:41 AM by the horn | with no comments
Add to Bloglines Add to Del.icio.us Add to digg Add to Facebook Add to Google Bookmarks Add to Newsvine Add to reddit Add to Stumble Upon Add to Shoutwire Add to Squidoo Add to Technorati Add to Yahoo My Web
More Posts Next page »